10 großartige Szenen in der Musikgeschichte

Nach dem überraschenden Erfolg meiner ersten Liste (womit ich meine, dass sie nicht sofort auf den virtuellen Slush-Haufen geworfen wurde), fühlte ich mich inspiriert, eine weitere zu schreiben. Diese Liste konzentriert sich auf einige der beliebtesten Szenen der Musiktheatergeschichte und umfasst etwa sechsundsechzig Jahre. Es ist unnötig zu erwähnen, dass es schwierig ist, sechs Jahrzehnte zu 5000 Wörtern zusammenzusetzen, aber man versucht es.

Im Gegensatz zu meiner letzten Liste waren nicht alle Musicals, aus denen diese Szenen stammen, erfolgreich oder einprägsam, aber die Szenen selbst sind klassisch, innovativ oder zeigen großes Talent. Ich war zuversichtlich genug, dieses Mal weitaus mehr ins Detail zu gehen, obwohl ich auch versucht habe, sicherzustellen, dass nichts wiederholt wird, was in der letzten Liste bereits besucht wurde. Ich kann Ihnen versichern, dass meine fehlgeleitete Begeisterung für Musicals ausreicht, um zwei Listen zu füllen. Vielleicht drei. Hmmm.

10

Singin im Regen Singin im Regen (1952)

http://www.youtube.com/watch?v=rmCpOKtN8ME

Als langjähriger Klassiker produzierte Singin 'in the Rain in der 19-jährigen Debbie Reynolds einen Star und festigte gleichzeitig den Glanz von Gene Kelly. Er produzierte auch die denkwürdigste und beliebteste Tanzsequenz seines Co-Stars Donald O'Connor, „Make 'Em Laugh“, in der er seine anstrengenden, akrobatischen Tanzfähigkeiten vorstellte. Die Szene wurde seitdem viele Male neu erstellt, auf Shows wie Glee (leider) und den Oscars.

Die berühmteste Szene ist jedoch zweifellos der Titelsong, denn er vermittelt ein unvergessliches Bild von Gene Kelly, dem Regenschirm in der Hand, der im Regen tanzt. Es ist schwer zu entscheiden, was zu einem sofortigen Klassiker werden wird, aber seit seiner Gründung wurde diese Szene mehrmals nachgebildet, geehrt, referenziert und gefälscht als vielleicht jede andere Szene im Kino. Es wurde auch kürzlich in einer bemerkenswerten Werbung von Volkswagen remixt.

Eine der faszinierendsten Eigenschaften dieser Szene ist, wie poliert und streng choreografiert es wirkt, während es hinter den Kulissen alles andere als war. Viele Menschen sind sich der Geschichte bewusst, dass Gene Kelly beim Dreh dieser Szene extrem krank war. Er lehnte es ab, das Set zu verlassen, bis er mindestens einmal durch die Szene laufen konnte. Die Legende besagt, dass es in einem Take gedreht wurde, mit sehr begrenzter Blockierung. Die Vorstellung, dass ein derartiges klassisches Kino in einem flüchtigen Take entsteht, ist sehr romantisch und hat die Vorstellungskraft von Schauspielern und Publikum gleichermaßen begeistert.

Der Regen selbst bestand aus Wasser und Milch, um ihn auf dem Bildschirm dicker und sichtbarer zu machen. Das Klopfen von Gene 'Schuhen wurde später auch synchronisiert, und dies wurde auch zu einem großen Teil von Debbie Reynolds' Klopfen im Film gemacht. Trotz dieser umständlichen technischen Details würde der Zuschauer niemals wissen, welche Anstrengungen unternommen wurden, um die Szene zum Laufen zu bringen. Das Lied, zusammen mit Gene Kellys unbestreitbarem Talent, kreierte eine klassische Szene im Kino und eine der größten in der Tanzgeschichte.

9

Zwei kleine Mädchen aus Little Rock-Herren bevorzugen Blondinen (1953)

http://www.youtube.com/watch?v=iqBIhPOFA5w

Obwohl dies kein besonders gutes Beispiel für Marilyn Monroe oder Jane Russells bestes Singen oder Tanzen ist, war dieses Lied die Eröffnungsszene in Gentlemen Prefer Blondes, dem Film, der Marilyn Monroe berühmt gemacht hat. Vor dieser Produktion war Marilyn in einigen erfolgreichen Filmen wie Monkey Business (1952) und Niagara (1953) erschienen, aber erst bei Gentlemen Prefer Blondes fand sie breite Aufmerksamkeit. Zu dieser Zeit galt sie noch als eine weniger bekannte Schauspielerin als Jane Russell, und ihr Name wird daher in den Vorspannungen unterhalb von Jane abgerechnet.

Zu der Zeit, als Gentlemen gedreht wurde, hatte sie eine Person von schwelendem Sexappeal modelliert, die in eine fast naive, weit aufgerissene Unschuld gehüllt war. Marilyn wurde angeblich während der Dreharbeiten zu Gentlemen gesagt, dass sie diesen sexuellen Magnetismus abschwächen müsste, was manchmal etwas zu intensiv werden könnte für die süße, sympathische (wenn auch etwas einfühlsame) Rolle, die sie spielte (Jane Russell wurde angeblich zum Ton aufgefordert.) es nach oben). Mit dieser berechnenden Sexualität begann sie jedoch gerade beim Filmpublikum einen Schlag zu finden, und es blieb ein beliebter Aspekt ihrer Schauspielerei.

In dieser berühmten Szene werden wir Jane Russell und Marilyn Monroes Charaktere in brillantem Technicolor vorgestellt. Es war nur das zweite Mal, dass das Publikum Marilyn singen hörte (der erste war in einem 1948er B-Film namens Ladies of the Chorus) und einer der ersten Einblicke mit den platinblonden Locken, die ihre Unterschrift (vor Monkey) werden sollten Geschäftlich hatte sie mehrere verschiedene Schattierungen von Blond ausprobiert; in Don't Bother To Knock (1952) ist ihr Haar eher ein gelber, goldener Schimmer als der Weißblond, den wir kennen.

Den Kinogängern muss klar gewesen sein, als sie diese blonde Bombe in ihren auffälligen roten Pailletten auf die Bühne explodieren sah, dass sie einen echten Star, eine Frau von unergründlicher Schönheit und ein traurig unterschätztes Talent beobachteten. Sie kann leicht mit ihrem erfahrenen Co-Star mithalten und die atmosphärische, verträumte Singstimme zur Schau stellen, die zu einem ihrer berühmten Markenzeichen werden sollte.

Während ihrer relativ kurzen Karriere wurde Marilyn normalerweise als schöne, aber idiotische Sexpots bezeichnet. Trotz dieser Persönlichkeit auf dem Bildschirm hatte sie ein tiefes Interesse an der Psychoanalyse, an sehr liberalen Überzeugungen (insbesondere bezüglich der Gleichberechtigung), und wurde von dem dritten Ehemann (und dem Autor des Stücks The Crucible), Arthur Miller, als hingebungsvoller Käufer angesehen Bücher. Es gibt ein wiederkehrendes Gerücht, dass sie einen IQ von über 160 hatte, was, wenn sie wahr wäre, sie mehr als durchschnittlich intelligent machen würde.Gewiss viel intelligenter als ein gewisser amerikanischer Präsident, von dem sie sagt, dass er heimlich geredet hat. Aber das "IQ-Gerücht" ist nur einer von vielen, die in den Jahren nach Marilyns Tod weiter aufgetaucht sind. Einige sind umstrittener als andere. Ihre oft sehr schlauen Äußerungen deuten darauf hin, dass sie alles andere als unintelligent war, als sie einmal witzelte: „Apropos Oscars, ich würde überwältigend gewinnen, wenn die Akademie einen Oskar für falsche Orgasmen geben würde. Ich habe mein Bestes gegeben, um meine Partner davon zu überzeugen, dass ich in Ekstase geraten bin. “

Sie konnte sich jedoch nie gegen die häufigen Typcastings wehren, obwohl es ihr gelang, in einigen ihrer Filme, wie Niagara, Bus Stop (1956) und The Misfits (1961), von ihrer blonden Ditzrolle abzuweichen. Trotz ihres Erfolges war Marilyns Leben auch sehr unruhig. Gegen Ende ihres Lebens war sie sehr krank und erlitt zwei Fehlgeburten. Ihr ganzes Leben lang litt sie unter Depressionen und Angriffen wilder Selbstzerstörung. Sie kam zu spät zum Filmen, benommen, verwirrt von Pillen, und kam manchmal gar nicht auf. Sie war wegen ihres unprofessionellen Verhaltens und der Probleme mit Alkohol und Drogen weit verbreitet als Albtraum.

Einer dieser Momente war am Set von The Prince und The Showgirl (1957), wo der geschätzte Schauspieler Laurence Olivier Marilyn häufig wegen ihrer Verspätung und des Vergessens ihrer Linien angriff. Marilyn fühlte sich von den Engländern großartig als unzulänglich und unerwünscht empfunden (obwohl sie nach ihrem Tod seine Abneigung darüber ausdrücken würde, wie sie von der Industrie rücksichtslos ausgenutzt wurde). Sie erzählte auch unbeschwerter, wie sie ihn besänftigt hatte, als er eines Tages "ihre Hölle" über "Versagen" gegeben hatte: "Ich beruhigte ihn, indem ich ihm sagte, ich glaubte, sein Hamlet (1948) sei einer der größten Filme, die je gemacht wurden. Sie wissen, dass er dafür einen Oscar gewonnen hat. “

8

Mädchenjagd The Band Wagon (1953)

Diese Szene aus dem Film The Band Wagon ist ein kleines Stück vom Höhepunkt des Films. Der Film dreht sich um den Hollywood-Schauspieler Tony Hunter (Fred Astaire), der glaubt, dass sein Star nachlässt und dass sein Ruhm versiegt. Er ist überzeugt, in einem unbeschwerten Musical zu spielen, das seine beiden Schriftsteller-Freunde geschaffen haben. Sie beschäftigen fälschlicherweise Jeffrey Cordova (Jack Buchanan), einen Schauspieler und Regisseur mit zahlreichen parallel laufenden Shows am Broadway, um bei der Produktion zu helfen.

Melodramatisch und etwas anmaßend verwandelt Cordova das urige Musical sofort in ein stürmisches Drama, komplett mit komplexen mechanischen Sets, die letztendlich zu Fehlfunktionen führen und die Premiere der Show ruinieren. Neben Tony spielt er auch die statuenhafte Ballettänzerin Gabrielle Gerard (Cyd Charisse). Die beiden stoßen anfangs zusammen, kommen aber am Ende zusammen, um die Show zu einem Erfolg zu machen.

Nachdem Cordovas Produktion zusammengebrochen ist, überzeugt Tony ihn, sich auf die ursprünglichen Songs seiner Freunde zu verlassen. Dazu gehört eine Montage mit dem Titel "Girl Hunt", die eine Parodie der Kriminalromane darstellt, und die "hartgesottenen" Detektive, die oft darin auftauchen. In dieser Szene spielt Fred Astaires Figur einen rauhen Detektiv auf der Jagd nach den Peinigern einer zierlichen Blondine, gespielt von Cyd Charisses Figur Gabrielle. Gabrielle spielt auch eine schwüle, "gefährliche" Brünette, die versucht, den Detektiv zu verführen.

Cyd Charisse und Fred Astaire waren beide außergewöhnliche Tänzer, wie diese Szene zweifellos zeigt. Cyd Charisse wurde im wahrsten Sinne des Wortes zum Tänzer gezüchtet und schätzte ihn sogar gegenüber der Schauspielerei. Ihre Beine waren für fünf Millionen Dollar versichert, und sie ist eine der wenigen Frauen, die mit Fred Astaire und Gene Kelly getanzt haben. Zu den anderen gehören Rita Hayworth, Debbie Reynolds und Judy Garland.

Fred Astaire war bekannt für seine unglaubliche Anmut, seinen Perfektionismus und die Leichtigkeit des Fußes. Gene Kelly war oft für seine Kraft und Stärke bekannt, während Fred Astaire präziser war und manchmal als koordinierter betrachtet wurde. Aber selbst Cyd Charisse blieb in dieser Angelegenheit sehr diplomatisch und kommentierte in ihrer Autobiografie: „Es ist, als würde man Äpfel mit Orangen vergleichen. Sie sind beide köstlich. "

7

Frug Sweet Charity des reichen Mannes (1969)

Um 16 Jahre vorwärts zu springen, hatte Sweet Charity nicht das Glück, in den fünfziger Jahren geboren worden zu sein, wo fragwürdige Komplikationen und süße Schuldgefühle generell vergeben wurden, wenn die Musikzahlen erfolgreich gesühnt wurden. Sweet Charity spielte die Tänzerin, Sängerin und Schauspielerin Shirley MacLaine, die einen der Songs des Films "Wenn meine Freunde mich jetzt sehen könnten" als ihr Markenzeichen nannte.

Der Film trägt auch einen weiteren Dauerbrenner: „Hey, Big Spender“. Der Film selbst folgt den Missgeschicken von Charity Hope Valentine (ich sagte dir, sie sei süß), einer naiven Tänzerin, die Prostituierte genannt wird. Obwohl sie im Leben ständig ausgenutzt wird und schwere Zeiten erlebt, bleibt sie hoffnungsvoll. Ihre Träume scheinen wahr geworden zu sein, als sie die schäbige Tanzhalle verlässt, in der sie arbeitet, und Oscar Lindquist (John McMartin) trifft, der ihr Ex-Beruf zu verstehen scheint, obwohl er später mit der Idee zu kämpfen hat.

Dieses in den späten 60er Jahren gebaute Musical konnte sich mit Themen beschäftigen, die bei früheren Musicals nicht möglich waren. Prostitution wurde in den 30er, 40er und 50er Jahren häufig in Filmen angedeutet, ebenso wie sexuelle Promiskuität (Bette Davis 'Jezebel (1938) und Joan Crawfords The Damned Don't Cry (1950)), aber die Moral dubiose Frauen wurden in der Regel letztlich durch Erniedrigung oder Herzschmerz bestraft oder wurden getötet (Bette Davis 'Waterloo Bridge von 1931 ist ein Beispiel für Letzteres).

Manchmal wurde die Sexualität wortlos angedeutet, um den Zorn der Zensur zu vermeiden.Cyd Charisse und Marilyn Monroe waren oft „Opfer der Zensur“, was bedeutete, dass sie genau beobachtet wurden, um sicherzustellen, dass keine unangemessenen Mengen an Haut gezeigt wurden oder dass sie die Marke überschritten hatten, wenn es um Sexappeal ging. Cyd Charisse zeigte sich amüsiert über diese Aufmerksamkeit und sagte: „Die Zensoren waren immer dabei, als ich am Set war. Als ich in einem Aufzug aufgehalten wurde, standen sie auf Leitern, um zu sehen, ob ich ordentlich bedeckt war. “

In Sweet Charity Charity heißt es jedoch nur, dass sie mit Männern für Geld schläft, aber niemals für ihre Handlungen beschämt oder getötet wird. Die Handhabung dieses Problems machte selbst die Dreharbeiten zu dem Film recht umstritten. Ross Hunter (Produzent des 1967 gründlich modernen Millie) war ursprünglich als Produzent geplant, brach jedoch aufgrund von Meinungsverschiedenheiten mit Regisseur Bob Fosse über den Umgang mit der heiklen Angelegenheit der Prostitution ab. Ross Hunter war nicht für seine Vorliebe für bodenständigen Realismus bekannt, daher wollte er möglicherweise nicht, dass Charitys Beruf überhaupt erwähnt würde.

Abgesehen von Stürmen in Teetassen ist „Rich Man's Frug“ eine außergewöhnlich choreografierte und fröhliche Szene, in der Charity einen Prominenten zu einem exklusiven Club begleitet und die Bodenshow beobachtet. Die Nummer der Musik scheint auch das Wesen von Prominenten und Wohlhabenden zu sättigen und schafft eine bizarre und ausgefallene Szene mit Geparden in Käfigen und kunstvollen Marmorstatuen. Die Szene tropft auch praktisch mit den sechziger Jahren und bleibt dem Stil und dem Look der Zeit sehr treu, und schon deshalb ist es sehr erinnerungswürdig und erfreulich anzusehen. Sie gehen fast davon aus, dass Austin Powers jeden Moment rausgeht.

6

Sommernachtfett (1978)

Um weitere neun Jahre vorzuspringen, drückte Grease den Umschlag erneut, wenn es um Tabus ging. In diesem Film spielen Teenager Sex, Trinken und Rauchen eine starke Rolle in der Handlung (obwohl der Lyriker sicherstellt, dass Sandy und Danny "achtzehn" sind und daher mindestens das Einwilligungsalter haben). Anstatt die Fakten zu scheuen, zeichnet die Musiknummer „Sommernächte“ ein realistisches Bild einer High School: Die Jungen sind fast alle vom Sex fasziniert, die Mädchen können kleinlich und zweiseitig sein. Es gibt eine offensichtliche Rivalität zwischen Sandy und Rizzo, die nicht das Interesse der anderen Mädchen an Sandys Sommerromanze mit Danny teilen, während Dannys Freunde mehr daran interessiert sind, "wie weit" Danny mit Sandy war als alles andere.

Dieses beliebte Musical wurde von der Bühne übernommen und verändert, um die Tatsache zu berücksichtigen, dass Olivia Newton-John Australierin war (vielleicht konnte sie keinen überzeugenden amerikanischen Akzent machen?), Wodurch Sandy keine rein amerikanische, sondern eine australische Frau wurde Austauschstudent. Abhängig von der Produktion haben sich die Aufführungen dieses Musicals seitdem dafür entschieden, diese Änderung entweder beizubehalten oder nicht (die Produktion an meinem Gymnasium entschied sich, Sandys australisches Erbe zu bewahren, nicht überraschend).

Die Zensoren sanken noch immer in die vielen sexuellen Bezüge des Films und sorgten dafür, dass einige der groberen Bezüge abgeschnitten wurden. Aus Angst, die Zensoren nicht unnötig zu belästigen, entschieden sich die Produzenten gegen Harry Reems als Coach Calhoun, weil er die Überzeugung der „Verschwörung, die Obszönität über die Staatsgrenzen hinweg zu verteilen“ und seine Verbundenheit mit den Filmen für Erwachsene abbrach. Stockyard Channing, der den promiskuitiven Rizzo spielte, behauptete in einem Interview, dass die Hickeys an ihrem Hals in einer der Szenen real waren und dass Jeff Conaway „darauf bestanden hatte, sie selbst anzuwenden“ als ungewöhnliche Schauspielmethoden verwendet.

Die "Sommernächte" -Szene tritt früh im Film auf und ist wohl die bekannteste und beliebteste aller Grease-Szenen. "Du bist derjenige, den ich liebe" und "Greaseed Lightning" sind auch immer wiederkehrende Favoriten, aber "Summer Nights" ist das einzige Lied, das in einem Insektenschutzmittel-Werbespot erscheint. Damit steht es ganz klar auf der Liste. In einer ganz kurzen Zahl gab es einen großen Einblick in die Schulatmosphäre der fünfziger Jahre, die der Film schaffen wollte. Es stellte die Charaktere des flachen Marty, des stacheligen Rizzo und des süßen, sprudelnden Frenchy und der von Dannys "T-Bird" -Freunden vor.

Olivia Newton-John präsentierte ihre starke Singstimme, wenn auch keine guten schauspielerischen Fähigkeiten, während John Travolta seine beliebte Rolle in Saturday Night Fever (1977) mit einer ebenso gefeierten Rolle übernahm und eine sehr lange und erfolgreiche Karriere im Film begann.

5

Frühling für Hitler Die Produzenten (1968/2005)

Ich gehöre zu den seelenlosen Leuten, die das schreckliche Remake von The Producers aus dem Jahr 2005 vorziehen, als das klassische, bahnbrechende Original. Ich fühle mich unrein, weil ich es zugegeben habe, aber da ist es. Es ist Nathan Lane und er ist fantastisch und ich bin schwach. Aber abgesehen von Geständnissen ist diese Musiknummer vielleicht eine der komischsten und schönsten satirischen Nummern, die jemals gemacht wurden. Es tropft mit Mel Brooks 'wildem Witz.

Mel Brooks meinte, die beste Rache, die wir gegen Adolf Hitler nehmen könnten, weil er der Welt solchen Hass und Elend zugefügt hatte, war, ihn gnadenlos zu verspotten, und er tut es. In dem 1983er Remake von Sein oder Nichtsein erscheint er als Führer selbst und fragt: "Was wollen sie von mir?" Ich bin gutmütig! Ich bin gutherzig Ich sehe gut aus! “Als er entdeckt, wie die ausländischen Zeitungen ihn anrufen, und singt, dass er keinen Krieg will, will er Frieden! Ein kleines Stück von jedem Land in Europa.

The Producers war eine seiner erfolgreichsten und beliebtesten Komödien, die sich mit Gene Wilder und Zero Mostel zusammengetan hat und eine der witzigsten und beleidigendsten Nummern der Musikgeschichte geschaffen hat. Brooks passte den Film später für die Bühne an und machte daraus ein Musical. Nathan Lane erschien als Max Bialystock in der Bühnenproduktion und erhielt seinen zweiten Tony Award. Seine Erfahrung auf der Bühne ist vielleicht, warum es ihm im Remake besser ging als Mathew Broderick, und er ist so witzig wie der schmuddelige Max Bialystock.

Das Remake von 2005 ist eigentlich mehr ein getreues Remake des Bühnenmusicals als der Originalfilm, der keine der später für die Bühne geschriebenen Musiknummern hatte („Wir können es schaffen“, „Keep It Gay“, „Sie Sagen Sie nie viel Glück bei der Eröffnungsnacht ("Betrayed" usw.) und unterscheiden sich die Charaktere vom Remake. Zum Beispiel wird Hitler im Remake von 2005 als sehr feminin dargestellt, während er im Original eher als drogenabhängiger Schlagkopf dargestellt wird.

Der Film und das Musical drehen sich beide um Max Bialystock (übrigens ist Bialystock auch die polnische Stadt, in der Brooks Vorfahren lebten und die von den Nazis im Zweiten Weltkrieg verwüstet wurde), die sich mit dem mousy-Buchhalter Leo Bloom zusammengetan hat, um den größten Erfolg zu erzielen Flop in der Geschichte, in der Hoffnung, dass das Geld, das sie für die Produktion aufbringen, weit mehr ist, als nötig ist. Sie entscheiden sich für „Springtime For Hitler“ (Springtime For Hitler), ein sicheres Stück, das Menschen überall beleidigt, und setzen einen kitschigen Regisseur, den wahnsinnigen, Nazi-sympathisierenden Dramatiker und unfähige Schauspieler ein, um sicherzustellen, dass das Musical am Broadway in der Geschichte die kürzeste Zeit hat.

Aus Nazi-Deutschland ein Bühnenmusical zu machen, ist fast das Offensivste, was jeder versuchen könnte, aber mit seinem ausgefallenen Wahnsinn ist "Springtime for Hitler" nichts als brillant in seiner absichtlichen Geschmacklosigkeit. Sowohl die 1968er als auch die 2005er Version der Szene "Springtime for Hitler" umfassen Brooks satirischen Humor, aber das Original hat den Vorteil, dass es das Original ist. Und Brooks eine der Zeilen der Tänzer ("Sei nicht dumm, sei ein Schlauer. Mach mit und mach mit bei der Nazi-Party!"), Aber in der 2005er Version schauen wir zu, wie spärlich gekleidete Soldatenfrauen unsichtbar die Pins abziehen Granaten mit den Zähnen, während der blonde John Barrowman (Torchwood) eine deutsche Uniform trägt. Es ist eine schwierige Frage.

4

La Vie Boheme RENT (2005)

http://www.youtube.com/watch?v=czJHTEeEJmU

Obwohl es nicht unbedingt ein besonders denkwürdiger Film für sich ist, produzierte RENT eine wirklich exzellente Szene, die von dem Lied "La Vie Boheme" begleitet wurde. Basierend auf der gleichnamigen Bühnenproduktion konzentriert sich RENT auf das Leben verarmter Bohemiens New York. Unter ihnen sind ein Filmemacher, ein Musiker, ein drogenabhängiger exotischer Tänzer, ein Transsexueller und ein Philosophie-Professor (beide haben AIDS) und ein bisexueller Performance-Künstler.

Es scheint eine überfüllte und etwas verwirrende Prämisse für ein Musical zu sein, aber bei RENT geht es nicht um unbeschwerte Komödie oder Romantik. Sie befasst sich mit zahlreichen kontroversen Themen und konzentriert sich insbesondere auf die AIDS-Panik der späten 1980er und 1990er Jahre. Es basiert auch auf der Puccini-Oper La Boheme, die eine ähnliche Geschichte von kämpfenden Künstlern und Musikern erzählt.

Der Film besteht mehr oder weniger aus einer Reihe hartnäckiger, schlagkräftiger Zahlen zu zahlreichen Themen wie Sexualität und Heroinsucht. Die Bühnenproduktion entwickelte sich viel besser als der Film und gewann den Tony für das Beste Musical, während der Film unter dieser "Staginess" litt, die das Publikum so oft von Musicals entfremdet. Sein (manchmal überwältigendes) grimmiges Material ist nicht genug, um die Tatsache auszugleichen, dass es sehr wenig Dialoge gibt und einige der Zahlen auf der Bühne unangenehm und unrealistisch erscheinen. Einige der Szenen der zerzausten Bohemians, die plötzlich in ein Lied einbrachen, sind sehr klobig.

Abgesehen von den Fehlern ist „La Vie Boheme“ eine der leichteren, lustigsten Zahlen, die die dringend benötigte Erleichterung für das nüchterne Drama bietet. Anstatt sich auf die Schwierigkeiten der Bohemians zu konzentrieren, nimmt "La Vie Boheme" ihre unterschiedlichen Unterschiede an und tritt entschieden gegen Konvention, Konservatismus und Vorurteile auf. Die Zahl ist unbeschwert und witzig, wobei insbesondere der ehemalige Mitbewohner Benny Coffin III (Taye Diggs) der Bohemians ins Visier genommen wird, von dem sie glauben, dass er sie betrogen und verlassen hat. Benny geht realistischer mit ihrer Situation um und weist darauf hin, dass sie verhungern und in einer gefährlichen, schmutzigen Nachbarschaft leben, aber durch die Vorstellungen von Sexualität und Trotz eher geplagt zu sein scheint.

Das Lied bezieht sich auch auf The Wizard of Oz in der Zeile: „Warum Dorothy und Toto über den Regenbogen gingen, um Tante Em zu sprengen. La Vie Boheme! "

3

El Tango De Roxeanne Moulin Rouge! (2001)

Nach einer begrenzten Veröffentlichung in den Vereinigten Staaten begann Moulin Rouge 2001 eine langsame, aber sichere Dominanz der Kinokassen weltweit. Baz Luhrmann schuf mit seinem unsteten, schrulligen Markenzeichen einen Film von ungeheurer Macht und Anziehungskraft und brachte die Vorstellung von "Jukebox-Musicals" in größerem Umfang als jeder andere Film zuvor. Es bezog sich auf eine große Auswahl an Künstlern und Musik, vor allem in dem Song „Elephant Love Melody“, wo ein Großteil des Songs aus einzelnen Liedern von berühmten Liebesliedern von Künstlern wie The Beatles, Whitney Houston, David Bowie und Elton John besteht und U2.

"El Tango De Roxanne" (basierend auf dem Lied "Roxanne" von The Police) findet am Ende des Films statt.Christian und Satine sind Liebhaber, aber der Herzog verfolgt Satine aggressiv und macht kein Geheimnis daraus, was geschehen wird, wenn er entdeckt, dass Satine ihm untreu ist. Als die Zahl anfängt, wurde Satine gezwungen, die Nacht mit dem Herzog zu verbringen, und Christian ist äußerst eifersüchtig. Er sitzt in friedlicher Stille mit den anderen Bewohnern des Moulin Rouge und zieht seine Wut über eine der anderen Prostituierten aus. Er veranlasst ihren Liebhaber, den bewusstlosen Argentinier (Jacek Koman), sich gegen Christian zu rächen und ihn zu beschuldigen, ihn für sich selbst gebracht zu haben sich in eine Frau verlieben, die sich selbst verkauft: „Wenn die Liebe für den Meistbietenden ist, kann es kein Vertrauen geben. Ohne Vertrauen gibt es keine Liebe. “

Die Zahl ist fast eine Rückbesinnung auf das Kino des Goldenen Zeitalters, da es sich im Wesentlichen um traditionellen, partnerschaftlichen Tanz handelt. Dies war in älteren Musicals üblich: "Pick Yourself Up" von Swing Time (1936), "You Were Meant for Me" von Singin 'In the Rain, "Girl Hunt" von The Band Wagon (1953) sind Beispiele unter zahllosen anderen . Es schien jedoch mit der Zeit an Popularität zu verlieren und wurde immer seltener, vielleicht weil es immer schwieriger wurde, das jüngere, zynischere Publikum von einer realistischen Situation zu überzeugen, als ein Paar sporadisch in Tanz zusammenbrach. Im Gegensatz dazu ist chaotischer, improvisierter Tanz wie in „La Vie Boheme“ viel einfacher zu integrieren.

In Moulin Rouge wirkte das Bild der Reihen von Paaren, die in „El Tango De Roxanne“ tanzten, spektakulär, obwohl es schwierig war, dies mit der sekundären Handlung von Satine und dem Herzog zusammen zu nähen. Es ist ein Beispiel für ein fehlerloses musikalisches Kino. Es gibt keine Naht zwischen dem gesprochenen Dialog und der Musik, es schmilzt perfekt zusammen.

Zwischen dem Tango der Männer und Frauen des Moulin Rouge befinden sich Szenen, in denen der Herzog und Satine zusammen speisen. Der Herzog glaubt, dass Satine mit ihm geschlagen ist und sie mit Geschenken überschüttet, aber seine Stimmung versiegt bald, als er merkt, dass Satine ihn nicht liebt.

Die Haupttänzerin dieser Szene („Roxanne“) wird übrigens von Caroline O 'Connor gespielt, einer berühmten australischen Schauspielerin, die vor allem durch ihre Rolle als Velma Kelly in der Bühnenproduktion von Chicago bekannt ist.

2

The Cell Block Tango Chicago (2002)

Ich habe kürzlich gelesen, dass ein Kritiker bei der Besprechung von Chicago geglaubt hatte, dass "Cell Block Tango" im Film so gespielt worden wäre, wie er es auf der Bühne hatte, und ich kann Ihnen sagen, dass niemand, der sowohl den Film als auch die Bühnenproduktion gesehen hat könnte einen solchen Anspruch geltend machen. Die Bühnenproduktion konzentriert sich stark auf Minimalismus, und die Acts werden ähnlich wie eine Varieté-Show inszeniert, die Art, in der Renee Zellwegers Figur Roxie Hart verzweifelt mitspielen will.

Die Ziegfeld-Follies werden oft als "höhere Klasse" der Varieté-Varietés bezeichnet, die von Ende der 1880er bis in die 1930er Jahre stattfanden. Vaudeville-Shows bestanden aus einer Vielzahl von Acts, von "Freak-Shows" bis zu Gesang und Tanz. Normalerweise hatten auch die archetypisch schönen, mit Kostümen bekleideten Chormädchen anwesend. Um diesem Varieté-Flair gerecht zu werden, präsentiert die Chicagoer Bühnenproduktion sowohl klassische Dance-Nummern wie „All That Jazz“ und „Ich kann es nicht alleine“ als auch andere Aufführungen wie den „Hungarian Disappearing Act“.

Der Film behielt auch das Varieté-Flair einiger der Nummern bei, konnte jedoch offensichtlich viel komplexere, komplexere Szenen erzeugen als die Bühnenproduktion. Ähnlich wie bei „El Tango De Roxanne“, wo Schnittbilder von Satine und dem Herzog gezeigt werden, verwendet „Cell Block Tango“ Schnittschnitte von Roxy im Gefängnis, um zwei Handlungen zu erstellen, eine in Roxys Geist und die zweite Wirklichkeit. Es gibt andere Beispiele dafür. Besonders bemerkenswert ist die Szene, in der eine der inhaftierten Frauen gehängt wird. Die hängende Szene ist zwischen den Aufnahmen eines "magischen Akts", dem "berühmten Ungarischen Verschwinden-Gesetz", angespannt. Die Szene ist auf der Bühne weniger effektiv, da der Fokus des Publikums zwischen dem "Verschwinden" und dem Aufhängen liegt.

Der Kritiker hat Recht, da die Filmaufnahmen des „Cell Block Tango“ durchaus auf die Bühne übertragen werden konnten, da in der Szene keine CGI-Effekte verwendet wurden. Um dies zu erreichen, müsste es jedoch eine Produktion von Phantom of the Opera sein.

Trotz der zusätzlichen Vorteile von Cutaway-Szenen (und einem riesigen Budget) ist der Film mit dem "Cell Block Tango" ansonsten recht einfach. Im Wesentlichen handelt es sich dabei um eine äußerst schlanke, großräumige Varieté-Handlung. Das Konzept sieht vor, dass jede Mörderin im Cook County Jail den Mord erzählt, den sie begangen hat, und ein rotes Tuch verwendet, um nachzuahmen, „wo das Blut gewesen wäre“.

Die Bühnenproduktion, auf der der Film basiert, basiert eigentlich auf einem Film (eigentlich zwei Filmen), der wiederum auf den zwei sehr öffentlichen Prozessen von zwei Mörderinnen im Chicago der 1920er Jahre basiert. Die Geschichte wurde bereits zweimal auf die Leinwand gebracht, einmal in einem gleichnamigen Stummfilm von 1927 und erneut in Roxie Hart (1942), in der Ginger Rogers (Fred Astaires Partner) als Roxie erscheint.

1

Irgendwo über dem Regenbogen Der Zauberer von Oz (1939)

Ich entschied mich, dies als eine Art Extra hinzuzufügen, da es offensichtliche Unterschiede zu den anderen Szenen hat. Am offensichtlichsten ist, dass es kein Tanzen enthält. Ein Versehen wäre jedoch sicher möglich, wenn diese klassische Szene weggelassen würde (yay für Agenten weniger Sätze). Der Zauberer von Oz brachte eine 17-jährige Judy Garland in den Ruhm.Vor diesem Film war sie in mehreren kleinen, unauffälligen Filmen aufgetreten. Erst als sie auf der Geburtstagsparty von Clark Gable „You Made Me Love You“ aufführte, schien ihr Unternehmen MGM ihr Potenzial zu erkennen.

Der Zauberer von Oz machte aus Judy einen bekannten Namen, und sie trat später in mehreren erfolgreichen Musicals auf: Meet Me in St. Louis (1944), neben Fred Astaire in Easter Parade (1948) und neben Gene Kelly in The Pirate (1948). . Im Alter von drei Jahren erschien auch ihre Tochter Liza Minnelli in The Good Old Summertime (1949) neben ihr.

Ähnlich wie bei Marilyn war Judys Leben äußerst unruhig und wurde durch fünf Ehen und zahlreiche Angelegenheiten (einige ihrer angeblichen Liebhaber einschließlich Frank Sinatra, Yul Brynner und Orson Welles) sowie einige Selbstmordversuche beunruhigt. Sie warf MGM oft vor, sie sorge dafür, dass sie sich unangemessen fühle und sie schlecht behandele. Wie viele Filmfiguren ihrer Zeit litt sie an Alkoholproblemen und einer Abhängigkeit von verschreibungspflichtigen Medikamenten, was 1969 im Alter von 47 Jahren zu ihrer Überdosis und ihrem Tod geführt haben könnte.

Judy ist immer noch eine der bekanntesten und berühmtesten Schauspielerinnen aller Zeiten. Dieser Status wird durch die anhaltende Popularität von The Wizard of Oz und das Lied „Over The Rainbow“ unterstützt, das sie zu einem Star machte und ihre altbekannte Singstimme weithin bewunderte. Das Lied stand auf Platz 1 der Liste der „Greatest Songs“ des American Film Institute der letzten 100 Jahre. Die wehmütige Traurigkeit des Songs hängt stark mit Judy und ihrem letztlich tragischen Leben zusammen.

Judy war oft sehr offen über die Probleme in ihrem Leben und ihre Worte deuteten oft auf tiefes Unglück hin. In der Biografie von Judy (1999) wurde sie mit den Worten zitiert: „Ich wollte glauben und ich habe mein verdammtestes versucht, an den Regenbogen zu glauben, an den ich versucht habe, hinwegzukommen, und das konnte ich nicht. Na und? Viele Leute können nicht… “

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The Babbitt und die Bromide Ziegfeld Follies (1945)

Ziegfeld Follies ist weniger ein Film als eine Reihe einzelner Musikakte und bietet eine Reihe von Stars: Fred Astaire, Gene Kelly, Judy Garland, Cyd Charisse, Lucille Ball, Lena Horne und eines der ursprünglichen Ziegfeld Follies-Mädchen, Fanny Brice.

Die Ziegfelder Follies waren aufwendige Theatershows, die von 1907 bis 1937 liefen, und meistens Frauen, die sangen, tanzten oder einfach nur ihre Blicke und Figuren zeigten. Die Ziegfelder Follies waren für ihre Extravaganz bekannt. Der Schöpfer, Florenz Ziegfeld jr., Hatte die Idee, die populäre Varieté-Prämisse nicht verwandter Musikakte zu übernehmen und sie dann mit großen Sets und Kostümen zu umgeben. Er hatte auch Szenen, in denen schöne Frauen einfach auf unterschiedliche Art posieren würden, und nannte diese "lebende Bilder".

Die Geschichte der Ziegfelder Follies ist äußerst interessant und umstritten, aber viel zu lang, um hier diskutiert zu werden. Trotzdem bietet es für jeden Film eine extrem reichhaltige Leinwand. Leider ist Ziegfeld Follies 'Prämisse ziemlich schwach und besteht aus Florenz Ziegfeld, der im Himmel sitzt und die folgenden Szenen geistig beschwört. Trotz dieser fadenscheinigen Handlung ist „The Babbitt and the Bromide“ wirklich bemerkenswert. Nebeneinander stehen zwei legendäre Tänzer: Fred Astaire und Gene Kelly. Es wäre das einzige Mal, dass die beiden in ihrer Karriere zusammen tanzen würden, mit Ausnahme von That's Entertainment Part II (1976), 31 Jahre später.

Die Handlung selbst besteht aus einem "Babbitt" und einem "Bromid", die sich auf der Straße treffen und eine sinnlose und oberflächliche Diskussion beginnen. Ein „Babbitt“ ist ein ziemlich obskures Wort für einen selbstbewussten, engstirnigen Bürger der Mittelklasse, und ein „Bromid“ ist ein Wort für eine unoriginal oder unaufrichtige Redewendung, was darauf hindeutet, dass Fred Astaires Charakter auch beides ist Merkmale (unter der Annahme, dass Astaires Charakter das Bromid war, glaube ich nicht, dass das jemals angesprochen wurde). Fred Astaires Anmut und Präzision, Gene Kellys körperliche Stärke und bemerkenswerte Choreographie-Fähigkeiten sorgen für eine klassische, unvergessliche Szene.

Es ist auch denkwürdig, weil es als das Zusammentreffen zweier Genies betrachtet wird, zumal die beiden Männer sich selbst spielen und keine Charaktere. Sie ärgern sich zu Beginn der Szene, als Gene sich auf Freds häufigen Tanzpartner Ginger Rogers bezieht und Fred dasselbe mit Gene's Tanzpartnerin Rita Hayworth im 1944er Film Cover Girl.