10 grimmige Themen des Todes in der westlichen Kunst

Kunst ist oft thematisch - Künstler haben gemeinsame Ideen in verschiedenen Medien und aus verschiedenen Perspektiven im Laufe der Jahrhunderte erforscht. Im Mittelalter, ab dem 14. Jahrhundert, wandte sich die Kunst der Dunkelheit zu, als die als Schwarzer Tod bekannte Pest wie die Apokalypse über Europa herabkam. Diese Zeit war oft von Verzweiflung und Hoffnungslosigkeit erfüllt, und zum ersten Mal wurden mehrere verschiedene Themen rund um den Tod entwickelt oder stärker erforscht.

10Plague Art

Die Auswirkungen, die der Schwarze Tod auf die mittelalterliche Gesellschaft hatte, können nicht unterschätzt werden. Die Pest erreichte ihren Höhepunkt in Europa zwischen 1348 und 1350 mit zusätzlichen Ausbrüchen in den Jahren 1361 und 1430 und war ein Bazillus, der je nach Sorte durch den Stich eines infizierten Flohs oder einer Ratte oder durch die Luft kontrahiert werden konnte. Die erste Welle des schwarzen Todes tötete geschätzte 25-50 Prozent der europäischen Bevölkerung.

Die Pest machte sich in der mittelalterlichen Kultur bemerkbar, wo die Menschen eine Möglichkeit fanden, ihre kollektive Verzweiflung und Depression auszudrücken. Künstler, die früher freudige Szenen gemalt hatten, auf denen fromme Hingabe oder erhabene Illustrationen der Errungenschaften der Menschheit dargestellt wurden, wandten sich nun zu Szenen des Todes und der Verwüstung. Religiöse Themen wurden auch dunkel, konzentrierten sich auf die Qualen der Hölle und den Lohn der Sünde und wandten sich zunehmend den Belohnungen des Himmels oder dem Komfort eines Rituals zu. In dieser makabren Umgebung entstanden verschiedene Themen rund um den Tod in der frühen europäischen Kunst, nicht zuletzt die Pest selbst.

Giovanni Boccaccio verwendete den Schwarzen Tod als Kulisse für seinen Klassiker Decameron, eine Geschichte über Männer und Frauen, die aus der Stadt in eine kleine Villa fliehen, um der Pest zu entkommen. Die entzückenden Geschichten, die sie im Versteck erzählen, sind ein starker Kontrapunkt zu den Verwüstungen, die draußen stattfinden. Trauerzugsszenen - bereits ein gemeinsames Thema in der Kunst - wurden mit nicht berühmten Königen oder Heiligen wie zuvor, sondern mit anonymen Pestopfern gemalt, als sie zum Grab geführt wurden. Als immer mehr Menschen die Pest als eine Art göttliche Verurteilung zu sehen begannen, betonte die Kirche die Bedeutung der Erlösung durch religiöses Ritual und Reue als das richtige Mittel, um die Epidemie zu bekämpfen, eine Haltung, die sich in Werken wie den Brüdern aus Limburg widerspiegelt. Die Prozession des heiligen Gregor (1300) und James le Palmers Beleuchtung aus dem 14. Jahrhundert für die Omne BonumDarin werden Pestopfer dargestellt, die den Segen eines Priesters erhalten.

Realistisch gemalte Szenen von Patienten, die in Krankenhäusern und zu Hause behandelt wurden, waren vor allem in der Renaissance weit verbreitet. Diese wurden oft von genauen Darstellungen der Wunden und geschwollenen Pusteln der Sterbenden begleitet, wie in Jacopo Robusti St. Roch im Krankenhaus. („Pest-Heilige“ waren an sich schon ein Genre.) Die Szene „Sterbebett“, in der eine sterbende Person feierlich von Angehörigen umgeben ist, stammt aus der Zeit des Schwarzen Todes im 14. Jahrhundert. Es gab auch eine Tendenz, skulpturale Figuren auf Gräbern als tatsächliche Leichen darzustellen, die oft Anzeichen von Pest oder sogar Skelett trugen, anstatt idealisierte Porträts der Verstorbenen. Als der Tod eine grausame Realität wurde und der Himmel eine weit entfernte Abstraktion, wurde der Realismus in der europäischen Kunst zu einem großen Comeback.

Dies sind nur einige Beispiele dafür, wie der Schwarze Tod durch die Aufklärung, die uns bis heute inspiriert, direkten Einfluss auf die Kunst des Mittelalters hatte. 1988 veröffentlichte Avantgarde-Diva Diamanda Galas die erste Platte in ihr Pest Messe Trilogie, Masque des roten Todes, ein Black-Death-inspirierter Blick auf die AIDS-Epidemie, die sicherlich in der Hölle aufgezeichnet wurde.

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9Death als Sensenmann der Seelen

Alle Kulturen zu allen Zeiten und an allen Orten haben den Tod in irgendeiner Form personifiziert. Für uns moderne Menschen ist der Sensenmann eine der am unmittelbarsten erkennbaren Personifikationen. Heutzutage findet man ihn meistens auf Heavy-Metal-Album-Cover oder Goth-Schmuck, aber für die mittelalterliche Welt war er eine authentische Figur des Terrors.

Die Idee des Todes als Schnitter mit einer Sense, mit der er Seelen erntet, ist eine Erfindung aus dem 15. Jahrhundert, die sich auf viele frühere Quellen stützte. Inspirationen aus der griechischen Mythologie waren der Titan namens Kronos (den die Römer mit Chronos, dem Gott der Zeit, verwechselt haben könnten) und der Bootsmann des Flusses Styx in der Unterwelt namens Charon. Bevor seine moderne Form in Europa vollständig entwickelt wurde, wurde der Tod gewöhnlich als Leiche dargestellt, die einen Bolzen, einen Pfeil, einen Bogen oder eine andere Waffe an der Armbrust hält. Während der Pest begann Europa, den Tod als Skelett darzustellen, das eine Sense trug und eine schwarze (oder manchmal weiße) Robe trug. Er wurde normalerweise als Führer dargestellt, der zur festgesetzten Stunde des Subjekts erschien, um sie wegzuführen, obwohl er sich in späteren Erzählungen tatsächlich das Leben nahm und die Opfer mit ihm betrügen oder verhandeln konnten.

Der Tod als Schnitter ist in jeder Kunst in ganz Europa zu finden. Er ist in Theaterstücken, Liedern, Gedichten, romantischer Literatur und Bawds aufgetreten. Er tummelt sich durch die dunkleren Gemälde von Breugel und ist oft die Figur der "Danse Macabre" -Kunst. In der Skulptur ist die Statue eines Bischofs aus dem 17. Jahrhundert im Trierer Dom mit dem Sensenmann ein hervorragendes Beispiel. Während die Bibel den Tod nie als Schnitter darstellte, verwendeten viele Künstler ab dem 15. Jahrhundert das Motiv in der biblischen Kunst. Gustave Dores Stich von Tod auf einem blassen Pferd (1865) ist ein besonders dramatisches Beispiel.

8 Der Totentanz

In den Pestjahren entwickelte sich der Glaube, dass die Toten sich von ihren Friedhöfen erheben und jeden unglücklichen Passanten in einen schaurigen Totentanz ziehen könnten.Diese folkloristischen Überzeugungen, die durch historische Gedichte über die Unvermeidlichkeit des Todes und ein traditionelles dramatisches Schauspiel in Deutschland angetrieben wurden, fanden schnell Einzug in die europäische Kunst als gesellschaftliche Allegorie über die Sterblichkeit, die weithin populär wurde. Die Nachricht ist klar in der danse macabre- Niemand entgeht dem Tod, also ist es am klügsten, deine Seele auf ihre Zeit der Abrechnung vorzubereiten.

Das danse macabre porträtierte die Hierarchie der Klassen, vom Papst bis zum einfachen Kind, die im täglichen Alltag tätig waren, als sie in die wartenden Arme des Todes gezwungen wurden. Eines unserer frühesten Bildbeispiele stammt aus einer Serie von Gemälden aus den Jahren 1424 bis 1425, die früher im Cimetiere des Innocents in Paris gezeigt wurden. Die Originale wurden 1669 zerstört, aber der Pariser Drucker Guy Marchant bewahrte seine Essenz in einer Reihe von Holzschnitten zusammen mit den begleitenden Versen.

In den Holzschnitten und Versen von Hans Holbein dem Jünger erreichte das Motiv seinen letzten Ausdruck Der Tanz des Todes. Es wurde erstmals 1538 als Buch mit 41 Holzschnitten veröffentlicht, während spätere Ergänzungen in den Jahren 1545 und 1562 diese Zahl auf 51 erhöhten. Den gesamten Text sowie alle Holzschnitte finden Sie hier online. Ein weiteres fantastisches Beispiel, dieses in der Malerei, ist das von Bernt Notke Danse Macabre. Es wurde während des Bombenangriffs im Zweiten Weltkrieg zerstört, ein Ereignis, das als großer Kunstverlust angesehen wurde.

7Tanz der Skelette

Ein anderes Thema des Totentanzes ist der Tanz der Skelette, den wir vor allem durch einen Holzschnitt des deutschen Humanisten und frühen Kartographen Michael Wolgemut kennen, der in Berlin erschien Liber Chronicum ("Chronik der Welt"), ein von Hartmann Schedel geschriebenes und im Jahre 1493 veröffentlichtes Buch. Der Tanz der Skelette unterscheidet sich vom Todestanz dahingehend, dass er streng auf Folklore basiert und keine soziale oder moralische Botschaft enthält. Skelette werden in der Regel aus offenen Gräbern dargestellt, tummeln sich und spielen oft Musik und tanzen. Der Holzschnitt von Wolgemut ist ein schönes Beispiel für das Genre, das eher zur Veranschaulichung und Erregung als zum Erzählen oder zum Predigen des Betrachters verwendet wurde.

Der Skelett-Tanz war ein kurzlebiges Thema in der frühen Kunst mit wenigen erhaltenen Beispielen. In jüngerer Zeit tauchte es in der Musik auf, als Camille Saint-Saens sein 1874 gründete Danse Macabre zu den Themen Totentanz und Skelett-Tanz. Im Film erweckten Walt Disney und Silly Symphonies das Thema 1929 in dem unsterblichen und oft nachgeahmten kurzen Zeichentrickfilm "The Skeleton Dance", in dem vier Skelette auf einem Friedhof tanzen und die lebenden Bewohner terrorisieren.

6Anamorphose und versteckte Todessymbole

Anamorphose, was "das Bild im Bild" bedeutet, ist eine Technik, die manchmal in der Kunst eingesetzt wird, um verborgene Bilder zu erzeugen, die nur aus bestimmten Winkeln oder unter den richtigen Bedingungen richtig gesehen werden können. Es wurde zum ersten Mal in Europa im Jahr 1485 gesehen, als Leonardo da Vinci es benutzte, um ein menschliches Auge darzustellen. Mehrere Künstler haben Anamorphose in Todesthemen aufgenommen, wobei das berühmteste Beispiel Hans Holbein der Jüngere ist Die Botschafter (1533).

Das Gemälde ist ein Doppelporträt von Jean de Dinteville, dem französischen Botschafter am Hofe von Heinrich VIII., Und seinem Jugendfreund Georges de Selve, dem Bischof von Lavaur, der auch mehrfach als Botschafter fungierte. Es wurde in den frühen Jahren der Reformation gemalt und ist voller politischer und theologischer Symbolik zu diesen Themen, aber das erschreckendste Element ist eine seltsame, längliche ovale Form am unteren Rand des Bildes, die sich bei Betrachtung mit einem Schädel auflöst das Auge in einer Position nahe der Hand des Bischofs. Dieser verborgene Schädel diente dazu, die mächtigen Spieler, die an den Schwierigkeiten dieser Zeit beteiligt waren, daran zu erinnern, demütig zu sein und sich ihrer Sterblichkeit bewusst zu sein.

Anamorphose und andere Formen verborgener Bilder werden seit Da Vincis Zeit in der Kunstgeschichte verwendet. Ein späteres Beispiel ist das von Charles Allan Gilbert Alles ist Einbildung (1892), in dem sich eine Dame aus der viktorianischen Zeit in einem Spiegel bewundert, der sich mit einer Verschiebung der Sicht in einen Schädel verwandelt. Ein zeitgenössisches Beispiel für Anamorphosen im Zusammenhang mit dem Tod finden Sie in der Arbeit des ungarischen Künstlers Istvan Orosz, der Illustrationen mit einem mittelalterlichen Holzschnitt erstellt, der immer einen Schädel verdeckt.

5Death And The Maiden

Das Thema Tod und das Mädchen können bis ins antike Griechenland zurückverfolgt werden und die Geschichte von Persephone, der von Hades entführt und nach der Ernte der Narzissenblume in die Unterwelt gebracht wurde. Eines seiner Themen ist bekannt - der Tod überwindet alle, sogar die stolze Schönheit der Frau -, aber im 15. Jahrhundert begann das Thema, einzigartige Merkmale zu erlangen und wurde offen sexuell. Die Frauen, die sich in den Armen von Leichen oder Skeletten befanden, befanden sich jetzt in einem intimen Umgang mit dem Tod.

Zwischen Niklaus Manuel Deutsch Tänze des Todes und Tod und die Jungfrau (1517) können wir den Übergang tatsächlich sehen. Im ersten Fall tanzt der Tod mit einer eleganten Dame, die beide knöchernen Hände fest auf die Brust legt. Im letzteren tanzt der Tod nicht mehr - er umarmt sie vollständig und küsst sie gewaltsam, während seine Hände zu ihren Genitalien gehen. Das Mädchen versucht zu widerstehen, aber hilflos, dies zu tun.

Diese stark erotische Bildsprache, die manchmal von Künstlern verwendet wurde, um Aktbilder der Kirche zu rechtfertigen, wurde im 15. Jahrhundert und darüber hinaus immer wieder verwendet. Ein Gemälde in einer Serie, die zwischen 1518 und 1520 von Hans Baldburg Grien gemalt wurde, zeigt eine madonnenähnliche Aktfigur, die von einer ausgetrockneten Leiche ergriffen wird, während Sperma und Föten, die Symbole der Erneuerung des Lebens waren, sich um sie drehen. Diese Symbolik würde von Edvard Munch wieder in seinem verwendet Tod und Leben (1894).

Eines der mächtigsten modernen Beispiele ist eine Zeichnung des deutschen Avantgarde-Künstlers Joseph Beuys.Es wurde 1959 geschaffen und zeigt den Tod und das Mädchen auf einem Umschlag mit dem Stempel einer Organisation von Holocaust-Überlebenden. In dieser Zeichnung sind sowohl der Tod als auch das Mädchen unwesentlich und ausgetrocknet, ein Beweis für die flüchtige Natur des Lebens und die Billigkeit des Todes in dieser Katastrophe.

Ein ähnliches Thema im Zusammenhang mit dem Tod, das in der Kunst dieser Zeit aufkam, wird als "die drei Zeitalter des Mannes" bezeichnet, obwohl es normalerweise Frauen darstellt. Eine Figur wird nacheinander als Kind oder Neugeborenes, als junger Erwachsener und schließlich als Frau mittleren Alters gezeigt, bei der der Tod das Motiv außerhalb der Bühne in die Unterwelt führt. Ein gutes Beispiel ist Greins Die drei Zeitalter von Mensch und Tod (1510).

4Triumph De La Mort (Der Triumph des Todes)

Viel beunruhigender als der Totentanz war das Motiv „Triumph des Todes“ ein anderes Thema, das bei mittelalterlichen Künstlern üblich war. Wie der Tanz war die zugrundeliegende Botschaft, dass Sterblichkeit unvermeidlich ist. Im Gegensatz zum "Tanz" stellt das Thema "Triumph" den Tod als ein Instrument des Chaos und der Zerstörung dar, einen brutalen Diktator, dessen Schergen alles über sich ziehen und alles auf seinem Weg zerstören. Es war besonders mit Kriegszeiten und Seuchen verbunden. Dieses Thema geht mindestens auf das 14. Jahrhundert zurück, da es bereits weit verbreitet war, als ein unbekannter Künstler im Hof ​​des Palazzo Sclafaniin im süditalienischen Palermo ein Fresko malte. Der Triumph des Todes (1445) zeigt ein skelettartiges Skelett, das auf einem Skelettpferd reitet, und schießt Pfeile auf seine Ziele, mittelalterliche Dorfbewohner aus allen Lebensbereichen, die ihren täglichen Aktivitäten nachgehen.

Das unbestrittene Meisterwerk dieses Themas ist Der Triumph des Todes (1562) von Pieter Bruegel d. Ä. In dem Gemälde wird ein einst friedliches mittelalterliches Dorf durch eine Armee von Schnitzern und Leichen zu einem apokalyptischen Ödland reduziert. Es ist, als würde Bruegel jedes seiner mittelalterlichen Szenenbilder auf einer Leinwand auslöschen. Buchstäblich Hunderte von Darstellungen und Symbolen des Alltags durchziehen das Bild, jedes ein kleines Moralitätsspiel, dessen These der Tod ist. Sogar ein König bekommt keine Gnade. Eine Leiche zeigt seine Sanduhr und die Zeit läuft ab, und der König erliegt, während sich eine weitere gepanzerte Leiche seinem gesammelten Reichtum verschafft. Alles ist verloren. Alles ist zwecklos. Der Tod siegt immer am Ende.

Der Triumph des Todes wird weithin als eines der wichtigsten Gemälde seiner Zeit angesehen. EIN Wallstreet Journal In dem Artikel wurde Folgendes festgestellt: „Die Brutalität dieser Bilder hat Bruegels Bild eine bedauerliche und kontinuierliche Relevanz verliehen. Es scheint Beschreibungen des Dreißigjährigen Krieges im 17. Jahrhundert vorwegzunehmen ... Die meisten aus der Perspektive des 21. Jahrhunderts beunruhigend sind, was auf der rechten Seite des Bildes als rechteckige Behälter erscheint, in die Menschen hineingetrieben und in den Tod geschickt werden. Die Ähnlichkeit der Geräte mit der Nazi-Technologie der Massenvernichtung hat viele Zuschauer getroffen. “Solange es Krieg, Hunger, Pest und den Tod selbst gibt, wird Bruegels Meisterwerk ein Gemälde bleiben, das uns stört, selbst wenn es mitschwingt.

3Die dankbaren Toten

Das Motiv der "dankbaren Toten" ist in der bildenden Kunst selten und wird häufiger mit Folklore und Literatur in Verbindung gebracht. Die Legenden über die dankbaren Toten drehen sich um zwei grundlegende Themen. Im ersten Fall leistet jemand eine Dienstleistung oder einen Gefallen für jemanden, der tot ist, z. B. für unbezahlte Schulden oder für eine Trauerfeier, und wird auf irgendeine Weise von seinem Geist belohnt. Im zweiten betritt jemand, der dringend Hilfe braucht, einen Friedhof und bittet um Hilfe. Die Toten erheben sich dann aus ihren Gräbern, um den Lebenden zu helfen.

Ersteres stammt aus dem Alten Testament mit dem apokryphen Buch Tobit. Es wurde später in der Literatur aufgegriffen, vor allem in den mittelalterlichen Romanzen. Letzteres ist in einem Fresko genannt Die Legende der dankbaren Toten, in der Schweiz von einem unbekannten Künstler Anfang des 16. Jahrhunderts gemalt und 1740 restauriert. Es zeigt einen Mann, der von einer Gruppe von Dieben in einen nicht geweihten Friedhof gejagt wird, wo er zum Gebet kniet. Bevor die mörderischen Diebe ihn erreichen können, brechen die Gräber um ihn herum mit den Leichen der Toten aus, die den Mann mit Stöcken und Sensen verteidigen, dankbar für die Gebete, die es ihnen ermöglichen, in Frieden zu ruhen.

Die Botschaft der dankbaren Totengeschichten unterscheidet sich stark von den meisten mit dem Tod in Zusammenhang stehenden Themen der europäischen Kunst, vielleicht weil die Erinnerung an die Pest zurückging und sich mehr Menschen die Zukunft positiv gestatten. Sie erinnerten die Lebenden daran, an ihre Angehörigen zu denken, sie in ihren Gebeten zu behalten und sich an diejenigen zu erinnern, die gegangen waren.

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2 Schädel In Der Kunst

Vielleicht hat keine andere Ikone einen so universellen Einfluss auf die Symbolik und Kunst wie der menschliche Schädel. Seine symmetrischen Merkmale sprechen das Auge optisch an, auch wenn seine offensichtliche Verbindung zum Tod fasziniert und gleichzeitig abstößt. Praktisch jede Kultur hat davon Gebrauch gemacht, meistens als Symbol der Sterblichkeit, manchmal aber auch als Lebensbejahung, wie zum Beispiel in Mexiko der Gebrauch von Schädeln und Skeletten Dia de los Muertos ("Tag der Toten") Feste.

Der Schädel wird oft zusammen mit anderen verwandten Objekten in Stilllebenbilder eingefügt. Manchmal wurde es irgendwo in einem Gemälde als Andeutung des Todes verwendet oder auf die Rückseite von Portraits gemalt, um denselben Zweck zu erfüllen. Ein Schädel kann auch als Ersatz für das eigentliche Motiv in einem Porträt verwendet werden, wenn diese Person tot ist. In dem Braque Familien-Triptychon (1452) des niederländischen Malers Rogier van der Weyden wird ein Schädel nicht nur als dargestellt Gedenke des Todes aber eine Darstellung des Mäzens, dessen Leistungen durch das ebenfalls abgebildete Ziegel- und Familienwappen symbolisiert werden.Der Schädel war schon im Mittelalter ein übliches Merkmal von Schmuck, da Männer und Frauen der Oberschicht Medaillons trugen, die auf der einen Seite mit Gesichtern und auf der anderen Seite mit Totenköpfen versehen waren, als Erinnerung an den Tod und die Verpflichtung, ein moralisches Leben zu führen.

Aufgrund ihrer ästhetischen Wirkung wurden Schädel oft auch zu nichtsymbolischen und rein dekorativen Zwecken verwendet. Cezanne Die drei Schädel (1900), eines von mehreren Gemälden, die er zu diesem Thema gemalt hat, kombiniert Elemente des Impressionismus und des Expressionismus und schafft komplexe Wechselwirkungen zwischen Licht und Form, die technische und emotionale Bedeutung haben, jedoch ohne die Betonung der symbolischen Bedeutung, die frühere westliche Schädeldarstellungen charakterisierte. Im 18. und frühen 19. Jahrhundert wurde der Schädel zu einem Symbol für Piraten und dann Harken, Ne'er-do-Wells und Outlaws. Diese Nutzung dauert bis heute an, wie man an Mode und Schmuck von Bikern, Punk-Rockern und anderen antiautoritären Subkulturen sieht.

1 Anatomie als Kunst

Im Jahr 1697 beeindruckte der niederländische Anatom Frederik Ruysch Peter den Großen so sehr, dass der russische Zar seine gesamte Sammlung aus dem Ruysch-Museum für Anatomie kaufte. Anatomische Darstellungen von erhaltenen menschlichen und tierischen Leichen und Skeletten waren nicht neu, und auch die Art von mahnenden Bildunterschriften, die die Szenen beschreiben, sind oftmals auf Gedenktafeln angebracht. Was Ruysch jedoch so einzigartig machte, bestand darin, sein Bestes zu geben Schönheit von Anatomie und Tod.

Als die Renaissance in vollem Gange war und die Erinnerung an die Pest zurückging, brachte das Aufblühen der modernen Wissenschaft neue Einstellungen gegenüber Tod und Sterben mit sich. Der Tod könnte wieder als Zyklus angesehen werden, ein ebenso wichtiges und ergreifendes Gegenstück zum Leben. Ruysch versuchte, diese Ideale in seiner Arbeit einzufangen, die Einbalsamierungstechniken mit skulpturalen und malerischen Konzepten kombinierte, um Werke zu schaffen, die mumifizierte Kinder und konservierte Föten und Skelette mit Stillleben und künstlerischen Verzierungen, die mit anderen anatomischen Details, einschließlich gebildeten Bäumen und Büschen, geschaffen wurden, kombinierten aus menschlichen Arterien und Gesteinen aus Nierensteinen.

Ruysch setzte seine Arbeit im 17. Jahrhundert fort. Leider überlebt bis heute kein Diorama, obwohl ein paar verzierte Babys noch in Gläsern aufbewahrt werden. Wir wissen von ihnen dank der Arbeit der Graveure, hauptsächlich Cornelius Huyberts, der sie im Internet veröffentlicht hat Thesaurus Anatomicus.