10 Musikgenres des 21. Jahrhunderts, von denen die meisten Menschen nichts gehört haben

Die Musik entwickelt sich so schnell, dass es für uns oft schwierig ist, mit den neuesten und besten Informationen Schritt zu halten. Dank der gesenkten Kosten für Aufnahmegeräte und der weit verbreiteten Verwendung von PCs ist das Produzieren und Freigeben von Musik jetzt so leicht zugänglich, dass sich alle paar Monate neue Genres ergeben.

10 schwarzes MIDI

Bildnachweis: Gingeas via YouTube

Achtung: Schauen Sie sich keine schwarzen MIDI-Videos an, wenn Sie epileptisch sind!

In den 1980er Jahren wurde die Welt der Musik durch die Erfindung des Musical Instrument Digital Interface (MIDI) revolutioniert. Dieses neue System hat die Fähigkeit elektronischer Musikinstrumente und Computer, miteinander zu „reden“, rationalisiert, sodass Notizen, Tonhöhe, Tempo und zahlreiche andere Parameter auf Knopfdruck gesteuert werden können. Heutzutage wäre es schwer, Künstler zu finden, die MIDI nicht verwenden, da sie bei Pop und elektronischer Musik allgegenwärtig geworden sind.

Das Konzept von MIDI hat mit der Entwicklung von „Black MIDI“, einem Musikgenre mit einer einfachen Prämisse, neue Extreme erreicht: Cram so viele Noten wie möglich in eine einzige Komposition. Die bescheidenen Anfänge von Black MIDI lassen sich auf das Jahr 2009 zurückführen, als Benutzer einer beliebten japanischen Website zum Teilen von Videos begannen, Videoclips und Songs mit Anime-Themes hochzuladen, die sie im Piano-Learning-Programm Synthesia remixt hatten.

Was für viele japanische Teenager als Nischenhobby begann, explodierte schnell zu einem ausgewachsenen Internet-Phänomen. "Blackers", wie sie sich liebevoll nennen, haben seitdem eine engmaschige Online-Community entwickelt, Hunderte von Songs veröffentlicht und eigene Plattenlabels für schwarze MIDI-Musiker kreiert.

Obwohl Songs im Genre ursprünglich nur wenige hunderttausend Töne übertrafen, ist es heute üblich, Künstler zu finden, die die Milliardengrenze erreichen können. Laut den schwarzen MIDI-Bestenlisten ist der derzeitige Rekordhalter Gingeas, der es geschafft hat, mehr als eine Billion Töne in seinen Song „Armageddon v2“ zu integrieren.

Bemerkenswerte Künstler: Gingeas, RetroUniversalHT, TheSuperMarioBros2

9 Kawaii-Metall

Ein in der westlichen Welt weit verbreitetes Stereotyp ist die japanische Besessenheit mit allen liebenswerten Dingen. In den letzten Jahrzehnten Kawaii Die (niedliche) Kultur hat sich in viele Aspekte des japanischen Lebens eingebettet, darunter Lebensmittel, Kleidung, Spielzeug und sogar das Verhalten und Verhalten von Menschen. 2009 entschloss sich ein japanischer Unternehmer zu übernehmen Kawaii Kultur auf die nächste Ebene, mischen die kuschelige Schulmädchenästhetik der japanischen Popmusik mit den atemberaubenden Gitarrenriffs und brechenden Blast-Beats der Metal-Musik.

Kawaii Metal hat seine Ursprünge der Band Babymetal und dem dahinter liegenden rätselhaften Executive Kobametal zu verdanken. Babymetal wurde ursprünglich als Spin-off der J-Pop-Gruppe Sakura Gakuin gegründet und hat in den letzten Jahren und nicht nur in Japan viel Erfolg gefunden. Ihr Debütalbum war in Österreich, Belgien, Holland, Deutschland und sogar in den USA gut.

Vielleicht ist Babymetal so beliebt, weil Metal und J-Pop nebeneinander liegen, zwei Genres an völlig entgegengesetzten Enden des musikalischen Spektrums. Es ist ziemlich faszinierend, funkelnden Pop-Gesang über Slayer-artige Metal-Instrumentals zu hören. Die unheimliche Persönlichkeit, die die Band verkörpert, könnte ebenfalls ein Faktor sein. In einem Interview auf fuse.tv behauptete Kobametal, dass die Aktionen der Gruppe von „göttlichen Botschaften, die durch den Gott des Metalls, den wir den Fuchsgott nennen, kommen, angetrieben werden.“ Oder vielleicht sind sie nur überraschend gut.

Bemerkenswerte Künstler: Babymetal, Ladybaby, DOLL $ BOXX

8 Kleinbuchstaben

Obwohl der Begriff "weniger ist mehr" 1855 vom Dichter Robert Browning geprägt wurde, wurde er nicht in das öffentliche Lexikon aufgenommen, bis der Architekt Ludwig Mies van der Rohe die Idee als Prinzip für minimalistisches Design in den 1960er Jahren übernahm. Jahrzehnte später haben sich die Musiker den Ausdruck zu Herzen genommen und sich darauf konzentriert, nur ein paar Töne zu spielen, um ein Ambiente zu erzeugen, anstatt auf traditionelle musikalische Elemente wie Rhythmus und Melodie.

Jeden Tag werden wir von so viel Lärm von Autos, Flugzeugen, Geräten und Bauwerken bombardiert, dass subtilere Formen von Lärm oft unbemerkt bleiben. Wir schenken dem Summen des Windes oder dem Blubbern des Ofens nicht viel Aufmerksamkeit. In Kleinbuchstaben, einem Subgenre minimalistischer Electronica, wird auf diese Idee eingegangen. Sie verwenden diese missachteten "Mikrosounds" und sogar die Stille, um etwas völlig anderes zu machen als die Musik, die wir normalerweise hören.

Kleinbuchstaben wurden 2001 gegründet, als Steve Roden veröffentlicht wurde Formen von Papierein Album, das ausschließlich aus Raschelpapier besteht. Mit einem Computer verzerrt und verstärkt, wurde es in einer eindringlichen, 54-minütigen Komposition digital arrangiert. Künstler des Genres können alles verwenden, einschließlich Feldaufnahmen von raschelnden Blättern, atmenden Menschen oder Glocken in der Ferne.

Auf der Website von Electro Acoustic Research sagte Roden: „[Kleinbuchstaben] haben ein gewisses Gefühl von Ruhe und Demut; Es erfordert keine Aufmerksamkeit, es muss entdeckt werden. “Dies ist eine erfrischende Aussage angesichts der ohrenbetäubenden„ Lautheitskriege “, die derzeit in der populären Musik stattfinden.

Bemerkenswerte Künstler: Steve Roden, Richard Chartier, Alva Noto

7 Seapunk

In den 2010er-Jahren haben Online-Subkulturen stark zugenommen, was hauptsächlich auf die zunehmende Beliebtheit von Social Media zurückzuführen ist. Trends können über Nacht in die Luft gesprengt werden, ein paar Tage lang das Gesprächsthema sein und in kürzester Zeit in Vergessenheit geraten. Nichts ist so flüchtig wie Seapunk, ein Mikro-Genre für elektronische Musik, das für eine Handvoll Menschen für kurze Zeit eine große Sache war.

Ursprünglich als "Web Witz mit Musik" bezeichnet Die New York Times, seapunk wurde von einer Gruppe von Online-Musikern mit einer gemeinsamen Nostalgie für die Kultur der 1990er Jahre gegründet. Das Genre kombiniert hüpfende elektronische Musik mit den hypnotischen Klängen von Videospielen mit Meeresmotiven (wie Ecco the Dolphin oder dem Wasserstand in Donkey Kong) und synthetischen tropischen Instrumenten wie Marimbas und Stahltrommeln. Seapunk ist nicht nur auf Musik beschränkt, sondern hat auch einen weit verbreiteten Designtrend hervorgebracht, bei dem Wasserbilder und alle erdenklichen Türkistöne verwendet wurden.

Ende 2012 stand die Seapunk-Community mit der "Kooptation" des Genres von Rihanna und Azealia Banks in Atem. Rihanna spielte ihren Hit "Diamonds" weiter SNL Vor Hintergründen, die stark an den Genre-Pionier Jerome LOLs Video für seinen Song „Blockz“ erinnern. Nur wenige Tage später veröffentlichte Banks ein von Seapunk inspiriertes Musikvideo für ihren Song „Atlantis“.

Bemerkenswerte Künstler: Unicorn Kid, Blank Banshee, Iamamiwhoami

6 Wizard Rock

1990 hat J.K. Rowling befand sich in einem überfüllten Zug von Manchester nach London, als sich plötzlich die Prämisse für Harry Potter in ihrem Kopf manifestierte. Sie verbrachte die nächsten vier Stunden damit, die Details zu notieren, aus denen eine der beliebtesten literarischen Serien der Geschichte hervorging, und verkaufte über 400 Millionen Exemplare weltweit. Die Harry-Potter-Begeisterung hat sowohl Kinder als auch Erwachsene gleichermaßen inspiriert, unzählige Fan-Ableger, eine echte Quidditch-Liga und sogar ein ganzes Musikgenre hervorgebracht.

Wizard Rock (manchmal auch als "Wrock" bezeichnet) erschien in den USA um 2002 mit der Massachusetts-Band Harry and the Potters. Das Genre ist seitdem international gewachsen, inspirierte Nachahmer und sogar Wrockstock, ein alljährliches Festival der Zauberer-Rock-Bands.

Wrock hält sich nicht an einen bestimmten Musikstil, sondern greift stark auf Themen aus dem Harry Potter-Universum auf. Bands schreiben Songs größtenteils aus der Perspektive bestimmter Charaktere und tragen oft Kostüme, um ihre Performances tiefer zu vertiefen. Obwohl fantastische literarische Bezüge in der Musik kein neues Konzept sind (Led Zeppelin berichtete in vielen Liedern von J.R.R. Tolkiens Königreich Mittelerde), hat kein anderes Franchise als Harry Potter eine ganze Musikrichtung inspiriert.

Bemerkenswerte Künstler: Harry und die Potters, Draco und die Malfoys, The Parselmouths

5 Hexenhaus

Musiker sind seit langem mit dem Okkulten verbunden. In der Antike führten Schamanen Beschwörungen aus, um Geister zu beschwören. In den 1990er Jahren verbrannten norwegische Black Metal-Bands Kirchen und ermordeten ihre eigenen Bandmitglieder. In den späten 2000er Jahren erlebte die dunkle Seite der Musik eine Erweckung, als ein kleines Genre entstand, das als Hexenhaus bezeichnet wurde.

Witch House mischte die dunstige Atmosphäre von 1980er-Goth-Bands wie Cocteau Twins und The Cure mit konventionellerer Hip-Hop-Musik und elektronischer Tanzmusik König Nacht.

Wie Seapunk setzt das Genre eine visuelle Ästhetik um, die vor allem die Popkultur der 1990er Jahre stark beeinflusst Das Blair-Hexe-Projekt, Zwillingsgipfel, und Fasziniert. Weitere häufige Elemente des Genres sind Verweise auf Hexerei, Horror-inspiriertes Albumcover sowie die Verwendung von Dreiecken, Kreuzen und anderen Symbolen in Künstlernamen und Songtiteln.

Hexenhaus galt weitgehend als Reaktion auf Chillwave, ein gleichzeitiges Mikro-Genre, das das warme Glühen und die sommerliche Atmosphäre der Popmusik aus den späten 70er und frühen 80er Jahren betonte. Obwohl sich die Veröffentlichungen seit ihrem Höhepunkt deutlich verlangsamt haben, haben einige Künstler dieses Genres weltweiten Erfolg gefunden.

Bemerkenswerte Künstler: Salem, Crystal Castles, oOoOO, Ritualz

4 Nintendocore

Vielen von uns, die in den 80er und 90er Jahren geboren wurden, können wir Koji Kondo dafür danken, dass er den Soundtrack für unsere Kindheit komponiert hat. Kondo schrieb einige der unvergesslichsten Melodien der Geschichte für Videospiele für die Super Mario- und Legend of Zelda-Reihe, um nur einige zu nennen. Seine Beiträge revolutionierten nicht nur Videospiele, sondern die gesamte Musikindustrie. Für Kondo wäre es eine ziemliche Leistung gewesen, das Ausmaß seines Einflusses vorherzusagen, der fast jeden Winkel der Welt erreicht hat.

Nintendocore verbindet zwei unwahrscheinliche Verbündete: Die 8-Bit-Sounds von Videospielemusik, die Kondo mit der Aggressivität von Hardcore-Punk und Metal entwickelt hat. Obwohl das Genre erst Anfang der 2000er Jahre entstand, wurde der Grundstein in den 1990er Jahren gelegt. Autoclave war die erste Band, die ein Videospiellied eingespielt hat. Das letzte Lied auf ihrem selbstbetitelten Album ist das Thema von Paperboy. Inzwischen haben die exzentrischen Rocker Mr. Bungle in ihrem gleichnamigen Debütalbum Sounds von Super Mario Bros. verwendet.

Das erste Nintendocore-Album wurde 2001 von Horse the Band veröffentlicht. Die Verbindung zwischen den schweren Gitarrenriffs und den Keyboards des Albums, die zum Replizieren von 8-Bit-Nintendo-Sounds verwendet wurden, erregte die Aufmerksamkeit des Publikums überall und die Band hat in ihren fast zwei Jahrzehnten ihres Bestehens bescheidenen Erfolg erlebt. Der Begriff „Nintendocore“ wurde vom Frontmann der Gruppe zur Beschreibung des Albums geprägt, obwohl er es ursprünglich als Witz verwendete. Der Begriff hat sich jedoch durchgesetzt und der Rest ist Geschichte.

Bemerkenswerte Künstler: Horse The Band, The Advantage, Minibosses

3 Piratenmetall

Dank dem Erfolg von Filmen wie Peter Pan, Haken, und Piraten der Karibik, wir kennen uns alle mit der Piratenästhetik aus: Bärte, Tätowierungen und viel Rum. Natürlich scheint dieses Bild ziemlich gut in die Welt der Musik zu übertragen. Musiker sind seit langem dafür bekannt, Gesichtsbehaarung aufzutragen, ihre Körper zu tätowieren und reichlich Alkohol zu trinken. Daher scheint der Begriff „Piratenmetall“ doch nicht so groß zu sein.

Die Ursprünge des Piratenmetalls lassen sich auf Running Wilds Veröffentlichung von 1987 zurückführen Unter Jolly Roger. Als die frühen satanischen Bilder und die politische Lyrik der Gruppe von der deutschen Bevölkerung nicht gut aufgenommen wurden, übernahmen sie die Piratenpersönlichkeit, die einige Jahrzehnte später Dutzende von Bands beeinflussen sollte.

Piratenmetall wird durch die Einbeziehung von Piratenkleidung, Folklore und Slang in ihre Musik definiert. Gruppen können auch traditionellere Volksinstrumente wie Ziehharmonikas und gelegentlich Seepferdchen verwenden. Das Genre verleiht dem Heavy Metal einen fröhlicheren Ton, der normalerweise durch Benommenheit, Tod und Zerstörung gekennzeichnet ist.

Bemerkenswerte Künstler: Alestorm, Running Wild, Lagerstein, Swashbuckle

2 Vaporwave

Bei jungen Menschen scheint die Ernüchterung über die Mainstream-Gesellschaft einen historischen Höchststand zu erreichen. Die Wahlbeteiligung nimmt stetig ab, und unzählige Menschen leiden unter chronischer Arbeitslosigkeit, insbesondere in Europa. Das deutsche Wort „Weltschmerz“ beschreibt die Angst und die kulturelle Dissonanz, die Menschen erleben, wenn die Welt ihren Erwartungen nicht entspricht. Dies ist ein Gefühl, das von Künstlern der Mikro-Genre-Vaporwave der 2010er-Jahre wiedergegeben wird.

Vaporwave zeichnet sich durch sein intensives Sampling von Smooth Jazz und Lounge-Musik ab den 1970er-Jahren sowie durch gesungene Vocal-Samples und dunstige elektronische Synthies aus. Das Genre wurde fast aus purem Zufall von Daniel Lopatin und James Ferraro geformt, experimentellen Musikern, die etwa zur gleichen Zeit Alben veröffentlichten, die sich unheimlich ähnlich anhörten. Voller Nostalgie und überholter Retro-Ästhetik zielt das Genre darauf ab, die Zuhörer nicht nur in einfachere Zeiten zurückzubringen, sondern auch eine zeitgenössische Kritik der Konsumkultur und des Kapitalismus zu liefern.

Wie das Seapunk- und Hexenhaus integriert vaporwave seine eigene visuelle Ästhetik, um sich der Musik anzupassen. Zu den prominenten Bildern gehören Webdesign aus den 1990er Jahren (denken Sie an Angelfire und Neocities), veraltete 3D-Visuals, die Verwendung japanischer Zeichen in Künstlernamen und Songtiteln, Glitch Art und ohne ersichtlichen Grund antike römische und griechische Skulpturen.

Bemerkenswerte Künstler: Macintosh Plus, Saint Pepsi, James Ferraro, Chuck Person

1 Harte Geräuschwand

Der Maler und Komponist des 20. Jahrhunderts, Luigi Russolo, ist vielleicht am besten für sein Manifest bekannt. Die Kunst der Geräusche, die argumentierte, dass die industrielle Revolution einer Fülle neuer, unergründlicher Klänge für die Menschheit gewichen war. Er fühlte sich durch zeitgenössische Musik eingeschränkt, was der Melodie zu viel Nachdruck verlieh. Statt dessen schlug Russolo eine neue Form der Musik vor, die durch Lärm gekennzeichnet ist. Jahrzehntelang improvisierte er experimentelle Musikinstrumente, die er Intonarumori nannte.

Seit der Zeit von Russolo hat die Geräuschmusik eine Vielzahl von Genres inspiriert, obwohl die meisten noch immer am Rand der Musikszene bleiben. Nur wenige Musiker konnten durch Lärm ein breites Publikum erreichen, weil die menschlichen Ohren Klänge schätzen, die ordentlich, formelhaft und harmonisch sind.

Eine der jüngsten Iterationen von Lärm ist eine raue Wand (HNW). Einfach ausgedrückt ist HNW ein großer Mittelfinger für alles, was wir darüber wissen, was Musik angenehm macht. Das Genre ist völlig frei von Elementen, die wir normalerweise mit Musik verbinden, wie Melodie oder strukturiertem Rhythmus. Es ist vielleicht die extremste Art von Musik, die es derzeit gibt, und beunruhigt manchmal den Zuhörer, indem er eine unnachgiebige „Wand“ aus Lärm ohne Dynamik oder Fortschritt schafft. HNW ist unnachgiebig, kakophon und dissonant. Manchmal kann es Schmerzen oder eine erhöhte Nebennierenreaktion verursachen. Die Diskretion des Hörers wird empfohlen.

Bemerkenswerte Künstler: Vomir, The Rita, Werwolf Jerusalem