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Top 10 der größten Cinematographen
Die Kinematographie ist in vielerlei Hinsicht eine undankbare Arbeit. Jeder weiß, was ihr Hauptzweck ist, wie wichtig er für den Film ist und wie visuelle Bilder oft am denkwürdigsten sind, und dennoch würden viele nur einen Kameramann nennen können. In der Geschichte des Films ist die Rolle des Kameramanns oft vernachlässigt, und dennoch waren sie so wichtig und einflussreich wie Regisseure, Schriftsteller und Schauspieler. Zum Gedenken an sie gibt es eine Liste der zehn größten und einflussreichsten Kinematographen. Sie können auch unsere Top 10 Cinematographic Masterpieces mögen.
10Kazuo Miyagawa 1908-1999
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Miyagawa ist wohl der bedeutendste Kameramann der japanischen Geschichte, nachdem er mit einem Who-is-Who japanischer Autoren wie Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu und Kenji Mizoguchi zusammengearbeitet hat. Er ist vielleicht am berühmtesten für seine Arbeit bei Rashomon, wo er als erster eine Kamera direkt in das Sonnenlicht gerichtet hat (unter Verwendung jahrelanger Untersuchungen zur Belichtung). Er war auch dafür bekannt, mehrere Kamera-Setups für Szenen zu verwenden, und er lobte seinen Kontrast aus ausladenden Kamerafahrten und scharfen Nahaufnahmen. Weitere Neuerungen des Films sind die Verwendung von Spiegeln zur Reflexion von natürlichem Licht und gefärbtes Schwarzwasser als Regen, damit es auf der Kamera lebhafter erscheint. Er war auch ein Meister der Genres, arbeitete an Komödien (The Rickshaw Man), Samurai-Filmen (den Zatoichi-Filmen), beaufsichtigte 164 Kameramänner und verwendete über 234 verschiedene Objektive für die Olympiade in Tokio, oft verglichen mit Leni Riefenstahls Olympia als einer von die größten Dokumentationen der Olympischen Spiele.
Einige von Miyagawas beeindruckenden Arbeiten zu Rashomon sind im Clip zu sehen.
Bemerkenswerte Filme: Rashomon (1950), Ugetsu (1953), Sansho der Gerichtsvollzieher (1954), Floating Weeds (1959), Yojimbo (1961), Zatoichi (1964), Tokio-Olympiade (1965)
9 Sergei Urusevsky 1908-1974[youtube = http: //www.youtube.com/watch? v = GFrHPcKiXaQ & hl = de & fs = 1 &]
Urusevsky ist zwar bei weitem nicht so produktiv wie andere auf dieser Liste, hat sich aber durch seine Arbeit mit dem russischen Regisseur Michail Kalatozov in Filmen wie Cuba und The Cranes fliegt einen fast mythischen Status unter den Kinematografen erworben. Seine fast unglaubliche Kombination aus Tiefenschärfe, akrobatischen Kamerafahrten, subjektiver Perspektive und anderen bemerkenswerten Kinematiken war seiner Zeit so weit voraus, dass sie im Westen erst ein Jahrzehnt später zu sehen war. Leider wurden seine Kaltozov-Kollaborationen größtenteils von der sowjetischen Propagandamaschine begraben und wurden erst kürzlich dank anerkannter Bewunderer wie Martin Scorsese und Francis Ford Coppola wiederhergestellt. Seine spektakuläre Kameraführung, die oft vom richtigen Fokus der Szene abgelenkt wurde, wurde von Urusevsky verteidigt und sagte: "Es hat mich nie als Kameramann interessiert, einfach nur zu registrieren, was vor der Kamera passiert."
Der oben vielfach gefeierte Clip ist vielleicht die berühmteste Szene in Urusevskys Repertoire. Eine balletische Kamerafahrt von der Eröffnung von I am Cuba zeigt seine atemberaubende und originelle Kameraarbeit.
Bemerkenswerte Filme: Der Einundvierzigste (1956), Die Kraniche fliegen (1957), Der nicht gesendete Brief (1959), ich bin Kuba (1964)
Vittorio Storaro Geboren 1940
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Vittorio Storaro (* 24. Juni 1940 in Rom) ist ein dreimaliger Oscar-Preisträger des italienischen Kameramanns. Am berühmtesten ist er für seine Arbeit zu Apocalypse Now (seinem ersten Oscar), wo ihm Francis Ford Coppola die Freiheit gab, den gefeierten visuellen Look des Films zu fotografieren. Er gewann Oscars for Reds und The Last Emperor, die von Bernardo Bertolucci, seinem häufigsten Mitarbeiter, geleitet wurden. Storaro gilt weithin als Meister-Kameramann mit einer ausgereiften Philosophie, die weitgehend von Johann Wolfgang von Goethes Farbenlehre inspiriert ist, die sich zum Teil auf die psychologischen Auswirkungen der verschiedenen Farben und die Art und Weise konzentriert, in der Farben unsere Wahrnehmung der verschiedenen Situationen beeinflussen. Zusammen mit seinem Sohn Fabrizio Storaro entwickelte er das Univisium-Formatsystem, um alle zukünftigen Kinofilme und Fernsehfilme in einem jeweiligen Seitenverhältnis von 2,00: 1 zu vereinen.
Der Clip ist eine Szene aus "The Sheltering Sky", die wohl die schönste Wüstenkinoserie zeigt, die je gedreht wurde. Um eine bessere Qualität (und längere Version) dieser Szene zu erhalten, gehen Sie hier. Sie werden absolut nicht enttäuscht sein.
Bemerkenswerte Filme: The Conformist (1970), Letzter Tango in Paris (1972), Apocalypse Now (1979), Reds (1981), Der letzte Kaiser (1987), The Sheltering Sky (1990)
7 Sven Nykvist 1922-2006[youtube = http: //www.youtube.com/watch?v = c1Xrg9uw_8g & hl = de & fs = 1 &]
Als Wahlkameramann von Ingmar Bergman erhielt Nykvist die unerfreuliche Aufgabe, die überraschenden, oft surrealen Bilder des schwedischen Autors vor der Kamera in die Realität umzusetzen. Trotzdem zeichnete sich Nykvist durch seine Raffinesse und Schlichtheit aus. Er bevorzugte das naturalistische Licht als Ergänzung zu Bergmans langsamer, langsamer Erzählweise. Er war unprätentiös und versteckte sich oft hinter seinem hoch aufragenden Regisseur, aber Nykvist war immer noch für seine Arbeit mit zwei Academy Awards für Cries und Whispers und Fanny und Alexander bekannt. Nykvist arbeitete auch mit Regisseuren wie Roman Polanski, Woody Allen und Andrei Tarkovsky zusammen. Er war der erste europäische Kameramann, der sich der American Society of Cinematographers anschloss, und erhielt 1996 den Lifetime Achievement Award des ASC.
Oben ist eine schöne Szene von Persona. Beachten Sie das bemerkenswerte Lichtverblassen.
Bemerkenswerte Filme: The Virgin Spring (1960), Persona (1966), Cries and Whispers (1973), Fanny und Alexander (1982), The Sacrifice (1986), Die unerträgliche Leichtigkeit des Seins (1988)
6Gregg Toland 1904-1948
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Gregg Toland war nicht lange bei uns, aber es ist ein Verdienst seiner Brillanz, dass er heute so verehrt wird. Toland wurde fünf Mal für den Best Cinematography Oscar während einer siebenjährigen Goldenen Periode nominiert, die von 1936 bis 1942 dauerte, aber es ist seine Zusammenarbeit mit Orson Welles an Citizen Kane, an die man sich am meisten erinnert. Obwohl er keine Deep-Focus-Kinematografie entwickelte, perfektionierte er sie in Citizen Kane, sodass Charaktere im Vordergrund und Hintergrund gleichzeitig scharf abgebildet werden konnten. Tatsächlich war ein Großteil des visuellen und kinematografischen Genies des Films - niedrige Winkel, hoher Kontrast, dunkle Schatten -, obwohl er Welles häufig zugeschrieben wurde, größtenteils Toland. Welles gab später zu, dass Toland ihn heimlich zu Kameraplatzierung und Lichteffekten beriet, damit der junge Regisseur vor der sehr erfahrenen Crew nicht in Verlegenheit geraten würde. Er war Toland so sehr verpflichtet, dass Welles darauf bestand, dass ihre Namen zusammen in den Abspann erscheinen. Später arbeitete Toland an Disneys Song of the South, das Live-Action mit Animation kombinierte.
Oben ist ein Beispiel für einen tiefen Fokus in Citizen Kane.
Bemerkenswerte Filme: Wuthering Heights (1939), Die Trauben des Zorns (1940), Das Haus der langen Reise (1940), Citizen Kane (1941), Wie grün war mein Tal (1941), Das Lied des Südens (1946)
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Gordon Willis wurde wegen seiner Vorliebe für satte Schwarze und dunkle Innenräume, vor allem in The Godfather-Filmen, für die er am bekanntesten ist, mit dem Spitznamen "Der Prinz der Finsternis" bezeichnet. Gordon Willis ist berühmt für seine innovative Kamera, die ihm zwei Oscar-Nominierungen und eine Menge Respekt einbrachte . Seine Arbeit an The Godfather-Filmen ist legendär. Zu seinen Innovationen gehören Pionierarbeit bei der Verwendung von warmem, unscharfem, bernsteinfarbenem Glühen, um nostalgische Szenen der Vergangenheit in The Godfather Part II darzustellen, und die einzigartige Nachbildung der Fotografie der 20er Jahre für Woody Allens Zelig.
Oben sehen Sie einen Clip, in dem Gordon Willis (und andere) über die Kinematographie von The Godfather sprechen.
Bemerkenswerte Filme: Der Pate (1972), Der Pate II (1974), Alle Männer des Präsidenten (1976), Zelig (1977), Manhattan (1979), Zelig (1983), Der Pate III (1990)
4Christopher Doyle Geboren 1952
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Obwohl Doyle in Australien geboren wurde, machte er sich durch das Fotografieren asiatischer Filme einen Namen, insbesondere die Arbeit des Regisseurs Wong Kar-Wai aus Hongkong. Seine Arbeit mit dem Regisseur, insbesondere den Filmen Chungking Express, In the Mood for Love und 2046, wird für ihre lebhaften Farbtupfer und hohen Sättigung gepriesen und gilt als einer der wichtigsten Architekten des asiatischen New Wave-Kinos. Er ist auch einer der wenigen "Superstar" -Kinematographen, deren Ruf oft höher ist als bei den Regisseuren, mit denen er arbeitet.
Oben ist ein Clip aus dem Film Hero, in dem Doyles Aufmerksamkeit für lebendige Farben entscheidend für die Geschichte war.
Bemerkenswerte Filme: Chungking Express (1994), In der Stimmung für die Liebe (2000), The Quiet American (2002), Hero (2002), Infernal Affairs (2002), 2046 (2002), Paranoid Park (2007)
3 Conrad L. Hall 1926-2003[youtube = http: //www.youtube.com/watch? v = DWTNBRs7Ccs & hl = de & fs = 1 &]
Angefangen mit Filmen wie Cool Hand Luke und Butch Cassidy und dem Sundance Kid half Hall, Drehansätze zu lösen, indem er, wie Sight und Sound es formuliert, "Tugenden aus Fehlern macht". Schönheitsfehler, wie z. B. die Sonne, die auf die Linse trifft, Schmutz auf die Linse gelangt oder andere scheinbare Ablenkungen, die in der Vergangenheit einen erneuten Schusswechsel erforderlich gemacht hätten, aber Halls Herangehensweise war ein Beispiel für die neue Welle des amerikanischen Kinos und half dabei, eine Vorlage für kernige, unabhängige Filme zu schaffen. Hall bewies jedoch auch, dass er mit mehr "makellosen" Bildern umgehen konnte und später Filme wie American Beauty fotografierte. Seinen ersten Oscar gewann er 1969 für Butch Cassidy und das Sundance Kid. Dann musste er 30 Jahre auf seinen nächsten, für American Beauty warten. Sein dritter Oscar wurde ihm posthum für Road to Perdition verliehen. Darüber hinaus wurde er im Laufe seines Lebens sieben Mal nominiert.
Oben ist eine lustige Szene von Butch Cassidy und dem Sundance Kid, für die Hall einen Oscar gewonnen hat.
Bemerkenswerte Filme: Cool Hand Luke (1967), In Cold Blood (1967), Butch Cassidy und der Sundance Kid (1969), Der Tag der Heuschrecke (1975), American Beauty (1999), Road to Perdition (2002)
2James Wong Howe 1899-1976
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James Wong Howe hatte über 130 Filme vorzuweisen, die von der stillen Zeit bis zur Farbe reichten. In den 1930er und 1940er Jahren galt er als einer der gefragtesten Filmemacher in Hollywood. Er wurde für zehn Oscar-Verleihungen nominiert und gewann zwei Mal. Howe war nicht nur einer der ersten Filmemacher, der Deep-Focus-Fotografie verwendete, sondern entwickelte auch Techniken, mit denen B & W-Filme, frühe Dolly-Techniken, Handkameratechniken und das Schießen mit ungewöhnlichen Lichtquellen (z. B. Kerzenlicht bei Molly Maguires) hervorgehoben werden.
Der Clip ist eine knackige, wunderschöne Schwarzweißfotografie von Hud, für die Howe einen Oscar gewonnen hat.
Bemerkenswerte Filme: Der dünne Mann (1934), Algier (1938), Yankee Doodle Dandy (1942), Die Tätowierung der Rose (1955), Süßer Erfolg (1957), Der alte Mann und das Meer (1958), Hud (1963), Lustig Dame (1975)
1 Charles Rosher 1885-1974[youtube = http: //www.youtube.com/watch? v = CvUvr715rjg & hl = de & fs = 1 &]
Charles Rosher war zwei Mal Oscar-Preisträger und arbeitete von den Anfängen der Stummfilme bis in die 1950er Jahre. Der gebürtige Londoner war der erste Kameramann, der zusammen mit dem 1929er Co-Gewinner Karl Struss einen Oscar erhielt. Rosher studierte in seiner Jugend Fotografie, erwarb sich jedoch früh einen Ruf als Zeitungskameramann, bevor er 1909 in die Vereinigten Staaten zog. Danach fand er Arbeit für David Horsley, der in seiner Produktionsfirma in New Jersey arbeitete. Da der frühe Film weitgehend auf Tageslicht beschränkt war, zog Horsley 1911 seine Produktionsfirma nach Hollywood, nahm Rosher mit und eröffnete dort das erste Filmstudio. Dies machte Rosher zum ersten Vollzeit-Kameramann in Hollywood. 1913 ging er nach Mexiko, um Filmmaterial von Pancho Villa's Rebellion zu filmen. Im Jahr 1918 war er einer der Gründer der American Society of Cinematographers und diente als erster Vizepräsident der Gruppe. In den 1920er Jahren war er einer der gefragtesten Filmemacher Hollywoods und ein persönlicher Favorit von Stars wie Mary Pickford. Seine Arbeit mit Karl Struss über den Film Sunrise von F. W. Murnau aus dem Jahr 1927 gilt als Meilenstein in der Kinematographie. Darüber hinaus erhielt Rosher zwei Eastman-Medaillen (benannt nach George Eastman), die Goldmedaille des Photoplay-Magazins, und das einzige Stipendium, das jemals von der Society of Motion Picture Engineers vergeben wurde.
Oben ist ein Beispiel für Roshers revolutionäre Arbeit bei Sunrise.
Bemerkenswerte Filme: Sonnenaufgang (1927), Die Angelegenheiten von Cellini (1934), Der kleine Lord Fauntleroy (1936), Der Jährling (1946), Annie Get Your Gun (1950), Show Boat (1951)
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