10 Ursprünge beliebter Comic-Figuren

Die Geschichte hat mich schon immer fasziniert, und ich finde es toll, über Ahnen und Stammbäume zu erfahren. Nach meiner vorherigen Liste, 10 Beatles-Songs und die Ursprünge, enthüllt diese Fortsetzung die Geschichten, die hinter einigen beliebten Comic-Figuren stehen. Diese Publikation wurde über einen Zeitraum von sechs Monaten mit Videos, Interviews, Büchern und vielen anderen Quellen erstellt. Die Liste ist nicht nur für Listverse einzigartig, sondern auch weltweit einzigartig, da bisher noch kein Buch, keine Webseite oder Website eine All-in-One-Quelle für diese Informationen war. Vielen Dank fürs Lesen.

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Betty Boop

Produziert: 9. August 1930 - 7. Juli 1939.
Inspiration: Helen Kane (Sängerin)

Helen Kane wurde 1928 zu „The Boop Boop a Doop Girl“, als sie in dem Song „That's My Weakness Now“ den Scat-Text „Boop-Boop-a-doop“ sang. Der Song war über Nacht ein Erfolg und förderte eine stetige Karriere Musik. Im folgenden Jahr schaffte sie es in die Filme und erschien mit Ned Sparks und Richard Dix in der heute gemeinnützigen Komödie Nothing But the Truth von 1929, wo das Publikum den ersten Blick auf das schüchterne, quietschgesangige Sternchen mit Haarschleife hatte und fast kindlich singende Stimme. "Do Something" war ihre zweite Nummer (später geschnitten und jetzt verloren) aus dem Film, und es wurde ein landesweiter Hit. Kane passte das 'Flapper Girl'-Image der damaligen Zeit an, die Mode, einen Bob-Stil und eine Cloche-Mütze von Louise Brooks mit einem kurzen Rock und hohen Absätzen zu tragen. Flapper waren die befreiten Frauen ihrer Zeit und hatten den Ruf, mutig, entschlossen und unerschrocken zu sein, um ihre Meinung zu äußern.

Im August 1929 stand gerade ein langjähriger Trickzeichner kurz vor dem Einstieg in das Filmgeschäft. Max Fleischer hatte bereits mit dem Clown Ko-Ko einen kleinen Erfolg gehabt und vor der Gründung der Fleischer Studios 1929 auch Schulfilme gedreht. Er benutzte seine eigene Erfindung, die Rotoscope-Maschine, um die Talkartoon-Serie mit 42 animierten Cartoons zu erstellen, angefangen mit Noahs Lark im Oktober 1929. Hot Dog, der dritte in der Serie, zeigte mehr Comedy in Form des törichten und unfallträchtigen Bimbo der Hund. Der Erfolg dieser Figur bedeutete, dass die Animatoren bald potenzielle Freundinnen entwarfen. Den Animateuren zufolge war die anfängliche Skizze für Betty ein übergroßer anthropomorpher französischer Pudel mit langen Schlappohren und einer Haarschleife. Die Ohren verwandelten sich stetig in Creolen, und das Gesicht wurde menschlicher, bis das endgültige Design eine völlig menschliche Form zeigte (und sie blieb dennoch Bimbo, die Freundin des Hundes).

Der erste Betty Boop erschien am 9. August 1930 in der sechsten Folge von Fleischer's Talkartoon-Serie in einem Cartoon mit dem Titel Dizzy Dishes. Betty wurde als Showgirl und Sängerin präsentiert, mit langen Beinen, recht viereckigem Gesicht und charakteristisch einer langsamen, kindlichen, quietschenden Stimme. Die beiden Charaktere wurden schnell zu einem bemerkenswerten Hit, und es dauerte nicht lange, bis die extravagante und freche Betty Bimbo in den Schatten stellte und in ihren eigenen Cartoons die Hauptrolle spielte. Sie spielte zwischen 1930 und 1939 in 111 Cartoons, darunter Minnie the Moocher (1932) mit Liedern von Cab Calloway und Poor Cinderella - ihrem einzigen farbigen Auftritt -, der am 3. August 1934 veröffentlicht wurde. Sie wurde zu einem selbsternannten Star und ist immer noch sehr beliebt heute, über 80 Jahre später. Von Anfang an war jedoch klar, dass Betty nicht nur Helen Kane (den Manierismen, den Liedern, der Stimme) nachempfunden war, sondern auch eine direkte Eins-zu-eins-Kopie war. Mae Questel, der als erster Betty sprach und sie später in Who Framed Roger Rabbit (1988) aussprach, wurde vom Trickfilmproduzenten Max Fleischer ausgewählt, weil er "eine Helen Kane-Klanggleichheit für Betty Boop" wollte. Der Name Betty 'Boop' könnte unmittelbar eine Verbindung zwischen ihr und dem "Boop Boop a Doop Girl" von vor wenigen Jahren implizieren.

So sehr, dass Helen Kane im Mai 1932 versuchte, Fleischer Studios und Paramount Pictures für 250.000 Dollar zu verklagen, weil sie versucht hatten, sie zu verkörpern. Als der Fall im April 1934 endlich in Gang kam, überzeugte Fleischer alle sechs Mädchen, die Betty inzwischen ausgesprochen hatten, zu bestreiten, dass Bettys Stimme jemals ein Versuch war, Helen Kanes Stimme nachzuahmen. Ein anderes Zeugnis besagte, dass "Boop Boop a Doop" nicht gleichbedeutend war, und tatsächlich kam der Satz "Boop Oop a Doop" lange vor Helen Kanes Beliebtheit. Paramount Pictures produzierte sogar einen Clip eines anderen Sängers, Baby Esther, von dem sie sagten, er habe 1928 denselben Satz in einem Song verwendet. Andere Zeugen wurden gerufen, um zu sagen, dass die Figur tatsächlich von vielen Einflüssen stammte, vor allem Clara Bow - ein riesiger Star in Hollywood, der sich 1933 nach ihrem letzten Film, Hoop-la, zurückgezogen hatte. In der Farbe Poor Cinderella, die nur vier Monate später veröffentlicht wurde (nachdem Betty Boop's Rise to Fame und Betty Boop's Trial versucht haben, eine andere Version von Bettys Geschichte zu verkaufen), sehen wir in der Tat Betty mit Clara Bows charakteristischem flammrotem Haar und nicht einfach schwarz als wollten sich die Produzenten von Helen Kane distanzieren. Am Ende war Kane in ihrem Fall nicht erfolgreich, um Geld von der Betty Boop-Figur zu erhalten - eine Figur, die länger dauern würde als Helen Kanes Karriere, eine Figur, die offensichtlich auf ihr basierte, und dennoch starb sie, ohne jemals einen Penny zu erhalten davon. Was anfangs als unbeschwerter Witz begann, schmeichelte Kane letztendlich, indem er sie überraschte und ersetzte. Was Fleischer anbelangt, erwarb er 1933 die Rechte, Popeye the Sailor Cartoons zu produzieren; eine Zahl, die den Veröffentlichungszeitplan von Paramount für die nächsten 25 Jahre übernehmen würde.

9

Schweinefleisch

Produziert: 9. März 1935 - 10. März 1956.
Inspiration: Joe Cobb (Schauspieler) als Joe in der TV-Serie "Our Gang" (1922-1929)

Our Gang (später in The Little Rascals umbenannt) begann mit einer Serie stiller Komödien, die von Anfang der 1920er Jahre bis 1944 im Atelier Hal Roach in Culver City gedreht wurden. In der Show waren eine Reihe von Kinderdarstellern zu sehen, die sich regelmäßig in alle hineinwiesen Arten von Kratzern und versuchen Sie, sich wieder aus ihnen herauszuholen. In der Show waren viele Cast-Mitglieder auf lange Sicht vertreten, vor allem vielleicht die Figur "Alfalfa", wie sie von Carl Switzer gespielt wurde. Joe Cobb erschien zuerst in der Gruppe als "Joe" in dem am 28. Januar 1923 veröffentlichten Kurzfilm "The Champeen" und spielte in 86 Episoden der Serie mit; Am bemerkenswertesten sind The Big Show (1923), die Lesson am Samstag (letzter Stummfilm der Serie) und der erste kleine Talk Talk (veröffentlicht 1929). Joe spielte das immer lächelnde, aber unglückselige stereotype "fette Kind", das häufig Gags und Missionen für die anderen aufstellt. Der letzte Auftritt von Joe kam in Lazy Days, veröffentlicht am 15. August 1929, bevor er von seinem eigenen Bruder "Chubby" (gespielt von Normal Chaney) ersetzt wurde, den Joe selbst nur in der vorherigen Episode Railroadin '( 1929).

In den frühen 1930er Jahren hatte Leon Schlesinger - der 1919 seine Produktionsfirma Pacific Title and Art gegründet hatte - einen Auftrag für die Produktion der Looney Tunes-Serie für Warner Bros. erhalten und entwickelte sich in den frühen Looney Tunes-Episoden mit Bosko, einem jungen Mann Negro Boy “von ihrem Sunset Boulevard an der Ecke Van Ness / Fernwood. Nach 30 Folgen in der Serie war es Zeit für eine Änderung, und sicherlich war die Zeichentrickversion eines jungen schwarzen Jungen mit seinem dicken südlichen Negerdialekt beim Theaterpublikum aus der Mode gekommen, der einen weniger politisch gemiedenen Charakter wollte. Im Jahr 1933 verließen Hugh Harman und Rudolf Ising ihr Atelier und nahmen ihre Kreation Bosko mit. Das Depressionshit-Studio verließ sie nur mit dem eher langweiligen „Buddy“ (den Animator Bob Clampett als „Bosko in whiteface“ bezeichnet), um sie über Wasser zu halten . Schlesinger bat den Animator Robert 'Bob' Clampett und den Studiodirektor Friz Freleng, eine neue Serie von Charakteren zu entwerfen, um die Lücke zu füllen, und schlug vor, eine Karikaturversion der Our Gang-Filme zu machen. In der entstandenen Kurzfilm, I Haven't Got a Hat (veröffentlicht am 2. März 1935), gehörten folgende Darsteller dazu: Beans, die Katze, Oliver Owl, eine mütterliche Kuh namens Mrs. Cud, und ein völlig unbekanntes Porky Pig im "Joe". Rolle - deren Cameo-Auftritt so viel glänzte, dass er Buddy sofort als Hauptstar des Studios ablöste. Tex Avery profitierte schnell von Porkys steigendem Erfolg, als er 1936 als Serienproduzent eingeführt wurde, und verwendete einen großen Teil der Besetzung von I Haven't Got in Gold Diggers von '49.

Porkys Name stammte von Friz Freleng, der an zwei Freunde und Brüder aus der Kindheit mit dem Spitznamen "Porky" und "Piggy" erinnert wurde und beschloss, die beiden Namen zusammenzusetzen. Sein bekanntestes Stottern stammt von Joe Dougherty, dem ersten Synchronsprecher, den das Studio für Porky gesungen hatte. Joe hatte ein sehr ausgeprägtes Stottern und musste Regisseur Freleng zwingen, nach und nach unkontrollierbar zu stottern. Schließlich erkannte das Studio die hohen Produktionskosten der vielen Stunden verschwendeten Materials und ersetzte Dougherty 1937 durch Mel Blanc. Zu dieser Zeit war das Stottern mit dem Charakter so verbunden, dass Blanc gebeten wurde, eine präzisere Komödie zu kreieren Effekt eher als ein allgemeiner Oberton. Es ist bekannt, dass Porky oft über kleine Wörter stolpert, bis der Charakter einen leichter aussprechbaren Ersatz finden kann, auch wenn dieses Wort viel länger und komplizierter ist als das Original. Porkys Persönlichkeit reifte auch von einer ziemlich hirnlosen Hauptfigur zu einem schnell denkenden und nachdenklichen "Jedermann" -Kumpel, wie er später gemeinsam mit Bugs Bunny und dann Daffy Duck gesehen wurde, bevor er in den 1950er Jahren ernster und wütender auf Sylvester wurde.

Das Erbe von Porky setzt sich auch mit seiner Signaturlinie "Th-th-das ist alles Leute!" Fort, die am Ende der Looney Tunes-Episoden gehört wurde. Diese Linie wurde ursprünglich von einem Hofnarren seit den frühen dreißiger Jahren gesprochen und wurde auch von Bosko und Buddy und sogar von Beans, der Katze, gesprochen, bevor Porky kam und sich zu seiner eigenen machte. Interessanterweise schien es das Stottern, das die Linie denkwürdiger machte. Sogar die Warner Bros.-Schwesterserie Merrie Melodies (die bisher immer mit "So Long, Folks!" Zum Schließen ihrer Kurzfilme geschlossen wurde) wandelte sich 1936 zur eingängigeren Porky-Linie um, nachdem in Umfragen festgestellt wurde, dass die meisten Menschen besser damit verbunden waren. 1936 war auch das Jahr, in dem Porky zum ersten Mal in Farbe erschien, dank des brandneuen Drei-Streifen-Technicolor-Verfahrens und der Einführung der mittlerweile legendären Bullse-Eye-Eröffnungs- und Schluss-Titelsequenzen.

8

Bugs Bunny

Produziert: 30. August 1938 - 16. Juni 1964.
Inspiration: Clark Gable (Schauspieler) in It Happened One Night (1934)

Leon Schlesinger, der nun mit Porky pig einen wachsenden finanziellen Erfolg verzeichnete, war daran interessiert, 1937 neue Charaktere in seine Looney Tunes- und Merrie Melodies-Serie einzuführen, angefangen mit Daffy Duck und Elmer "Egg Head" Fudd. Um diese Zeit trat Friz Freleng auf MGM (obwohl er zwei Jahre später wiederkommen würde) und sein Ersatz als Direktor fiel auf den unerfahrenen Cal Dalton. Cals 'ursprüngliche Skizze für Happy Wabbit (später Bugs) zeigt einen viel weniger definierten Charakter mit einer längeren Nase und einem flauschigen Wattebausch, der sich sehr von der heutigen Figur unterscheidet. Happys erster Auftritt in Porky's Hare Hunt, der am 30. April 1938 veröffentlicht wurde, sah den mittlerweile gut etablierten Porky in einem fast identischen Plot mit dem Zeichentrickfilm Porky's Duck Hunt aus dem Jahr 1937, in dem Daffy Duck vorgestellt wurde.Der Film wurde gemeinsam von Ben 'Bugs' Hardaway geleitet, der die Figur zusammen mit Bob Clampett und Tex Avery in den nächsten Jahren entwickeln würde, um Aussehen und Persönlichkeit der Figuren zu perfektionieren. Sein hoher Gesang und Jackhammerlachen wurde für den nächsten Charakter Woody Woodpecker, der 1940 erschien, gerettet und gab den Produzenten eine leere Tafel, mit der er arbeiten konnte. Avery favorisierte eine Abkehr von der hypermanischen Daffy-Persönlichkeit in Richtung eines entspannteren und nachdenklichen Charakters, mit einem Hauch von Stil, der in der Lage ist, alles in seinem Gang zu nehmen - so wie Clark Gable in It Happened One Night.

Ein wilder Hase unter der Regie von Tex Avery, der am 27. Juli 1940 veröffentlicht wurde, war das Ergebnis all dieser harten Arbeit - er führte eine fast komplett neu gestaltete Bob Clampett-Figur ein, den kürzlich umbenannten Bugs Bunny; zusammen mit einem komplett neu gestalteten und vollständig geformten Elmer Fudd. Der Zeichentrickfilm war auch der erste, in dem Mel Blanc die zu Bugs übliche Standardstimme verwendet. Außerdem verwendet Bugs zum ersten Mal seinen Slogan "What's up, Doc?", Der von Tex Avery für seinen ersten Text geschrieben wurde Bugs Bunny kurz. Avery sagte, er habe den Satz während seiner Jugend in Texas aufgegriffen, wo der Begriff unglaublich weit verbreitet war. Laut Chuck Jones, Friz Freleng und Bob Clampett entstand Bugs Bunnys nonchalanter Stand der Karottenkauerei in einer Szene in It Happened One Night, während Clark Gable sich an einen Zaun lehnt, während er rohe Karotten schnell kaut und mit vollem Mund spricht. Bugs 'schnelles, weises Sprechen, die "alles wissen" Persönlichkeit stammt auch aus dem gleichen Film, in dem Gable versucht, schnell in Claudette Colberts Herz zu sprechen. Der Name "Bugs" wurde als Verweis auf die verrückte und obsessive Kaninchenart gewählt. Seine Stimme "ist eine gleichwertige Mischung aus Bronx-Akzent und Brooklyn-Akzent", sagt Mel Blanc, der die Stimme im Einklang mit Gables Figur (der in New York geboren wurde) entwickelte. Als Geburtsort von Bugs gilt: Brooklyn, New York In einem Gewirr unter Ebbets Field, der Heimat der Brooklyn Dodgers - geboren am 27. Juli 1940.

Tex Avery und Chuck Jones entwickelten die Figur über viele Jahre weiter, und Bugs nahmen im Laufe der Jahre an Gewicht, Größe und Definition zu und ab. Seine Persönlichkeit - einst auch an Groucho Marx modelliert (Bugs ist bekannt dafür, die Zeile "Natürlich, das bedeutet Krieg!" Aus dem Marx Bros.-Film Duck Soup (1933)), wurde oft als Groucho imitiert Später wurde er zu einem weniger "nervigen Hasen" und eher zu einem von Ideen getriebenen Charakter, der andere Charaktere eher "verrückt" als das Kaninchen selbst schickte. Er spielte in 167 animierten Kurzfilmen für die Looney Tunes- und Merrie Melodies-Serie, bis der Charakter im Juni 1964 in den Ruhestand ging. In den 1980er und 1990er Jahren erschien er in mehreren einzigartigen Specials, einem Cameo-Auftritt in Who Framed Roger Rabbit (1988) ) und gegenüber Michael Jordan in Space Jam (1996).

7

Tom und Jerry

Erstproduktion: 10. Februar 1940 - 1. August 1958.
Inspiration: Erster Weltkrieg / Zweiter Weltkrieg

William Hanna und Joseph Barbera waren Ende der 1930er Jahre Teil der Filmproduktionsabteilung von Rudolf Ising in den MGM Cartoon-Studios. MGM hoffte, Rivalen der etablierten Leon Schlesinger Productions (unter Warner Brothers) und der Max Fleischer Studios (mit Paramount Pictures) zu werden und das neu entdeckte Interesse an Animationsfilmen zu nutzen. Obwohl Friz Freleng von Schlesinger Productions erworben wurde, war ihr erstes Projekt mit dem Titel The Captain and the Kids sehr schlecht und das Studio musste die Abteilung rationalisieren, um Kosten zu sparen. Joseph Barbera, ein Storywriter und Charakterdesigner, war mit William Hanna, einem Produktionsregisseur, verbunden, in der Hoffnung, dass eine so enge Zusammenarbeit kostengünstiger sein würde. Bei ihrem ersten Produktionsmeeting schlug Barbera vor, ein Katz- und Maus-Szenario auszuprobieren, und sie skizzierten die Charaktere, die sie für die Produktion von Puss Gets The Boot vom 10. Februar 1940 benötigen würden.

In Interviews sagte Joe Barbera später: „Wir wussten, dass wir zwei Charaktere brauchten. Wir dachten, wir brauchten Konflikte und Verfolgung und Aktion. Und eine Katze hinter einer Maus schien ein guter Grundgedanke zu sein. “Die ursprüngliche Geschichte drehte sich um eine blau-weiße Tabby-Katze mit dem Namen Jasper, die versucht, eine Hausmaus namens Jinx zu fangen, während sie das afroamerikanische Hausmädchen Mammy (wer würde später Toms Besitzer werden). Der wilde Jasper wurde dabei als Vierbeiner betrachtet und hatte eine normale katzenartige Intelligenz, im Gegensatz zu Jinx, der zweihundertfünfzig war und eine menschlichere Intelligenz hatte. Zwischen ihnen zertrümmerten sie Dinge und beschädigten Haushaltsmöbel, bis die Katze buchstäblich weggeworfen wurde, und Jerry konnte sich frei entscheiden, wie er wollte. Dieses scheinbar unbeschwerte Spiel hatte jedoch eine dunkle Seite, da es während des Zweiten Weltkriegs auch die zivilen Moral fördern sollte. Der 10. Februar 1940 fiel zufällig mit dem Beginn der Schlacht um England zusammen, als deutsche Kämpfer einen Konvoi vor der Küste von Dover angriffen. Amerika befand sich zu diesem Zeitpunkt nicht offiziell im Krieg, obwohl die Unterstützung der britischen "Tommys" unter den Amerikanern stark war. Irgendwie hatte die Katz und Maus-Geschichte eine Schnur getroffen.

Hanna und Barbera, die dies nicht wussten, drehten neue Kurzfilme wie Gallopin 'Gals (1940) und Officer Pooch (1941) und vergaßen fast ihre Katz- und Mäuse-Charaktere. Das war, bis Puss The Boot knapp den Academy Award für The Milky Way (1940) - eine weitere Produktion von Rudolph Ising - für das Beste Kurzmotiv: Cartoons von 1941 verlor. Skeptiker bei MGM wurden sofort zum Schweigen gebracht und Fred Quimby, Produktionsleiter bei Das MGM-Animationsstudio zog die beiden schnell aus ihren aktuellen Projekten heraus und gab Katz und Maus wieder in Betrieb.Als erstes wurden die Namen der Charaktere geändert. In dem Buch „Tom & Jerry: Der definitive Leitfaden für ihre animierten Abenteuer“ erinnert sich Patrick Brion an einen Wettbewerb im Studio, in dem er das Paar benennt, indem er Vorschläge aus einem Hut zieht. Animator John Carr gewann $ 50 für seinen Vorschlag, sie Tom und Jerry zu nennen. Carrs Vorschlag kam aus zwei Ideen: Erstens, dass eine Katze Tom genannt werden sollte, weil sie mit dem Kater als Katzenrasse verbunden war. Zweitens, weil die kriegerischen Possen zwischen den beiden Figuren ihn an die im Ersten Weltkrieg kämpfenden Tommies und Jerries erinnerten - eine Situation, die sich in letzter Zeit irgendwie wiederholt hatte.

Der Midnight Snack erschien am 19. Juli 1941, als Winston Churchill seine "V for Victory" -Kampagne startete. Die Charaktere würden dann in vier oder fünf Kurzfilmen pro Jahr erscheinen - insgesamt waren es 114, als das MGM Cartoon-Studio 1957 geschlossen wurde. Die letzten Cartoons wurden 1958 veröffentlicht. Daraufhin starteten Hanna und Barbera ihre eigenen Animationen Hanna-Barbera Productions Inc. hieß 1957 Studio (jetzt vor allem für Low-Budget-TV-Shorts), obwohl es einige Zeit dauern würde, bis das Studio Geld verdient hatte. MGM behielt die Tom- und Jerry-Lizenz und entschied sich in einer kontroversen Wendung, die Serie in den frühen 1960er Jahren mit dem in Prag ansässigen Studio Rembrandt Films, mit dem Animator Gene Deitch, der von Firmeninhaber William L. Snyder produziert wurde, neu zu beleben. Die Tschechoslowakei war eine höchst kontroverse Wahl, da sie hinter dem Eisernen Vorhang versteckt war, der Kalte Krieg auf dem Höhepunkt war und die Kubakrise während der Produktion geschah. Sowohl Samuel Goldwyn als auch Louis B. Mayer waren Osteuropäer aus Warschau und Minsk.

6

Foghorn Livorno

Produziert: 31. August 1946 - 29. Juni 1963.
Inspiration: Kenny Delmar (Schauspieler) als Senator Beauregard Claghorn

Kenny Delmar trat am 5. Oktober 1945 als Senator Beauregard Claghorn im "Allen's Alley" -Segment der NBC Radio The Fred Allen Show auf, wo er einen stürmischen und unverschämten Geschäftsmann aus dem Süden von Charleston, South Carolina, porträtierte. Claghorn war von allen Dingen "Süden" besessen und machte oft Witz darüber, dass der Süden aus verschiedenen Gründen besser war als der Norden. Seine Schlagworte wurden bald berühmt, wie "Das ist ein Witz, Sohn!" Und "Passen Sie jetzt auf, Junge!", Und der Senator fügte häufig "Ah say" und "Das ist ..." in der Mitte und am Ende der Sätze ein . Claghorn wurde bald in anderen Shows parodiert, darunter auch ein regelmäßiger Kinofilm in der TV-Serie von Jack Benny. Nachdem die Fred Allen Show 1945 geschlossen wurde, setzte Delmar die Claghorn-Persönlichkeit in den Werbespots fort. Auf zwei Hit-Schallplatten erschien der Film It's a Joke Sohn! (1947) mit Una Merkel als Mrs. Claghorn und schließlich in einer Folge der Show der Vier-Sterne-Revue im Jahr 1953. Kenny Delmar verschwand langsam nach seiner Zeit als Senator Claghorn in der Dunkelheit und sein Film von 1947 ist jetzt im Public Domain-Bereich.

1944 verkaufte Leon Schlesinger sein Studio an Warner Bros. Robert McKimson, der in den späten 30er Jahren Chefanimateur wurde (eine Rolle, die er ziemlich überwältigend fand), hatte 1937 zunächst eine Direktionsposition von Schlesinger abgelehnt, da diese Position weit entfernt war zu anspruchsvoll. Der Job ging stattdessen an Chuck Jones. Er änderte seine Meinung 1945, als Frank Tashlin (Regisseur) und Bob Clampett (Animator) Warner Bros. verließen, um das verbleibende Team zu zwingen, sich zusammenzuschließen und weiter zu kämpfen. Zu dieser Zeit hatte sich das Studio weitgehend von Porky, Daffy und Bugs entfernt, und der neue Charakter "Tweety" war im Grunde alles, was sie hatten. Während sie fortwährend eine Katze namens Willoughby entwickelten - die später zu Sylvester wurde - der Bösewicht für Tweety, brauchten sie eine brandneue Gruppe von Charakteren, um die Lücke aufzunehmen. Robert McKimson produzierte ein paar Skizzen für sein erstes Regieprojekt, das sich um einen aufstrebenden Großmaulhahn drehte. Das ursprüngliche Charakterdesign wurde von Cal Dalton verfeinert, und der allseits beliebte Mel Blanc kam für die Stimme zum Einsatz.

McKimson zufolge stammte die Stimme des Blabbermouth Roosters aus zwei Quellen: von einer schwerhörigen Sherifffigur in der Radiosendung Blue Monday Jamboree aus den 1930er Jahren und hauptsächlich von Delmars 'Claghorn - Figur aus der Fred Allen Show - komplett mit der Dieselbe aufgeblähte Brust, sein Gang und seine Schlagworte. Der Name der Charaktere besteht auch aus zwei Teilen: Erstens wurde Claghorn in Foghorn geändert, um die Tatsache hervorzuheben, dass die Person sehr direkt und sehr laut sprach (wie Claghorn), und zweitens fügte er "Leghorn" hinzu, was eine Art Hühnerrasse ist.

Walky Talky Hawky erschien am 31. August 1946 - der erste von 28 Cartoons mit Foghorn Leghorn, bis Leghorns Rente in den Ruhestand trat. Banty Raids markierte am 29. Juni 1963 seinen endgültigen Auftritt. Zu diesem Zeitpunkt hatten die Designer Yosemite Sam, Speedy, Wile entworfen E. Coyote und der Road Runner, und auch diese Charaktere standen kurz vor dem Ende ihrer Produktion. Ein brandneuer Marvin, der Marsianer, erschien nur vier Monate später. Das Studio kämpfte drei weitere Jahre lang, bis die Animationsabteilung von Warner Bros. Ende 1966 geschlossen wurde, was McKimson dazu zwang, mit seinem alten Kollegen Friz Freleng und David H. DePatie (der zuvor Produzent im Warners Studio war) zu springen ) bei der neu eingeführten DePatie-Freleng Enterprises. McKimson kehrte kurz zu Warners zurück, als das Animationsstudio 1967 unter dem Titel "Seven Arts" wiedereröffnet wurde, bis das Studio am 20. September 1969 endgültig geschlossen wurde. Injun Trouble (Regie: Robert McKimson) wurde die letzte Merrie Melodies / Looney Toons Karikatur.McKimson entschied sich für die Rückkehr nach DePatie-Freleng, wo er unter anderem die Pink Panther Show leitete, bevor er 1977 an einem Herzinfarkt starb.

5

Die Feuersteine; 'Familie Feuerstein

Produziert: 30. September 1960 - 1. April 1966.
Inspiration: Die Flitterwochen-Fernsehserie (1955-56)

The Honeymooners war eine amerikanische Sitcom aus der Mitte der fünfziger Jahre, in der es um vier komische Charaktere in einem Apartmentgebäude in Brooklyn ging. Der Ehemann Ralph (gespielt von Jackie Gleason) war ein Busfahrer, dessen durchgeknallte Pläne, schnell reich zu werden, oftmals seine Frau Alice Kramden (Audrey Meadows) bestürzte, die ihn immer schnell niederschlug und auf die Sinnlosigkeit von Ralphs Plänen hinwies. In einer benachbarten Wohnung wohnten Ralphs bester Feind Ed, ein New Yorker Abwasserkanalarbeiter, und seine Frau Trixie, Alices bester Freund. Wenn Ralph wütend wird und Alices Rat ignoriert, sagt er oft: „Eines Tages… POW !!! Genau das Richtige! “, Das zu einem nationalen Schlagwort wurde, und die Show wurde zu einem großen Erfolg.

In der Zwischenzeit versuchten William Hanna und Joseph Barbera immer noch, die Rechnungen bei Hanna-Barbera Productions Inc. nach der Trennung von MGM im Jahr 1957 zu bezahlen. Jetzt hatten sie ihre 600.000 US-Dollar pro Jahr (35.000 US-Dollar pro siebenminütiger Trickfilm) MGM-Budget genommen und ihre Kunst genommen Zum Fernsehen - zuerst mit The Ruff und Ready Show, dann mit der Huckleberry Hound Show und der Quick Draw McGraw Show, mit einer viel weniger raffinierten Reihe von begrenzten Animationen und einem Budget von nur 3.000 US-Dollar pro fünfminütiger Trickfilm. Trotz einiger Qualitätsprobleme wurde das Studio zunehmend als der King of Saturday Morning Cartoons bekannt, und es fehlte ihm dennoch an einem Megahit, um es mit Tom und Jerry zu messen. Joseph Barbera arbeitete an einer Reihe neuer Charakterdesigns, von denen fast alle abgelehnt wurden. Schließlich kam er auf die Idee, eine Sitcom auf zwei verschränkten Liebhabern (und ihrem Sohn Fred Jnr.) Im selben Stil wie die Flitterwochen aufzubauen. In einem Interview erklärte Barbera: „Zu dieser Zeit war The Honeymooners die beliebteste Show im Fernsehen. Die Charaktere waren großartig. Das hatte einen großen Einfluss auf das, was wir mit The Flintstones gemacht haben. “Fred sollte eine Kombination aus Ralph Kramden von The Honeymooners und Chester A. Riley von The Life of Riley (ebenfalls ursprünglich von Jackie Gleason gespielt) als eigensinnige Vaterfigur der Familie sein . Wilma Flintstone war auch eine direkte Nachahmung von Alice Kramdem - komplett mit gönnerhaften Ablegern und einem Gespür für das Ausgeben von Freds Geld. Barney und Betty Rubble wurden später hinzugefügt und hielten viel von den "besten Freunden" von The Honeymooners ab und waren die Folien der Flintstones. Mel Blanc wurde ausgewählt, um die Stimme von Barney zu spielen.

Die Show würde viele Designänderungen durchlaufen, bevor das endgültige Konzept erreicht wurde. Ursprünglich waren die Charaktere als Hillbillies, antike Römer, Pilger und dann Indianer Indianer modelliert, bevor sie sich der Steinzeitfamilie entsprachen. Dies lag unter anderem daran, dass moderne Gadgets und Gizmos leicht auf das Format der alten Zivilisation übertragen werden konnten (z. B. Vogelschnäbel für Wäscheklammern, Erdferkel als Staubsauger) und sie daher eine große Anzahl von visuellen Gags einrichten konnten diesen Weg. Der Name der Show hieß ursprünglich "The Flagstones", wurde jedoch aufgrund des Copyrights in "The Gladstones" und schließlich in "The Flintstones" geändert. Später in der Vorproduktion wurde auch beschlossen, Fred Jnr. von der Besetzung, um sich mehr auf die Hauptfiguren zu konzentrieren, obwohl mehrere Comicstrips mit Fred Jnr. war schon produziert worden.

Die Story von Joe Barbera bestand aus einer Pilotenshow für die Flintstones und brach acht Wochen lang nach New York auf, wo sie in Koffern ein- und ausgehen und jeden Tag die gleiche audio- / visuelle Routine absolvierten. Als er die Szenen spielte und alle Stimmen der Charaktere übernahm, wurde Barbera oft gebeten, die Show als billige Form der leichten Unterhaltung für die potenziellen Geldgeber zu präsentieren - auch wenn keiner von ihnen die Show kaufen wollte. Nach sieben Wochen und sechs Tagen, manchmal mit bis zu fünf Stellungen pro Tag, stand Barbera kurz vor der Erschöpfung und war bereit, aufzugeben und nach Kalifornien zurückzukehren, um die ganze Idee zu verwerfen. Sein letzter Pitch fand um 9 Uhr morgens an einem grauen Morgen in seinem Hotelzimmer statt, wo Leonard Goldenson und Oliver Treyz vom ABC Television Network die Show in nur 15 Minuten kauften. Joe Barbera sagte später, er würde in kaltem Schweiß aufwachen, selbst viele Jahre später wusste er, dass dies der Tag war, an dem Hanna-Barbera gerettet wurde.

Die erste Episode von The Flintstones wurde am Freitag, dem 30. September 1960, um 20:00 Uhr ausgestrahlt. Am nächsten Tag nannte es Variety "A Pen and Ink Disaster" ("Eine Stift-und-Tinten-Katastrophe"), und Kritiker verurteilten das Konzept schnell. Trotzdem betraten die Flintstones in jeder Hinsicht Neuland, was die Kritiker schließlich dazu zwang, nachgeben zu müssen. Sechs Jahre später ging die "Katastrophe" immer noch voran. Die ersten beiden Staffeln wurden von Winston Cigarettes gesponsert und die Charaktere erschienen in mehreren Schwarzweiß-Fernsehwerbespots für Winston - praktisch die einzigen Zeichentrickfiguren, die jemals geraucht und das Rauchen auf der Leinwand gefördert haben. The Flintstones war die erste amerikanische Animationsshow, in der zwei Personen des anderen Geschlechts in einem Bett zusammen geschlafen wurden. Die erste animierte Show, die länger als zwei Staffeln dauerte, und die erste, die eine Schwangerschaft zeigte, als Wilma in der Episode „Die Überraschung“ schwanger wurde ”(25. Januar 1963) und eine Geburt (Peddles Flintstone) in„ Dress Rehearsal ”(22. Februar 1963). Die Produzenten belebten später den Fred Jnr. Konzept und kam mit Barney und Bettys Adoptivkind Bamm-Bamm mit "Little Bamm-Bamm" (ausgestrahlt am 3. Oktober 1963) auf - was auch die Episode # 100 war.

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Verrückte Rennen

Produziert: 14. September 1968 - 4. Januar 1969.
Inspiration: Das große Rennen (1965).

The Great Race war ein Slapstick-Comedy-Film mit einem Screwball Jack Lemmon, einem trockenen Tony Curtis und einer mutigen Natalie Wood. Regie führte Blake Edwards, der bereits bei Breakfast (1961) bei Tiffany (und kürzlich The Pink Panther) ein gutes Ergebnis erzielt hatte (1963) und A Shot in the Dark (1964). Die Geschichte erzählt von einem Rennen von New York nach Paris - dem langen Weg - und zeigt die verrückten Possen von Professor Fate (Jack Lemmon) und seines Kumpels Maximilian 'Max' Meen (Peter Falk) in ihrem maßgeschneiderten schwarzen Cabrio 'The Hannibal Twin- 8, 'als sie versuchen, The Great Leslie (Tony Curtis) im' Leslie Special 'mit allen erforderlichen Mitteln zu überholen. Es dauert nicht lange, bis die anderen Fahrer aus dem Rennen sabotiert werden und die hummeligen Helden Kopf an Kopf (sogar Schulter an Schulter) stehen lassen, bis sich ein verrückter Russe entscheidet, seinen ganzen Spaß zu verderben.

Nach den Flintstones gingen Hanna und Barbera zurück an das Zeichenbrett, um neue Inspiration zu finden. Sie fanden ihre Muse mit den erfolgreichen Anpassungen von The Impossibles (1966), The Herculoids (1967) und Marvel Comics 'Helden The Fantastic Four (1967), ehe sie zurück in die Archive gingen, um ihre Notizen über The Great Race einzuholen. Es gab viele konzeptionelle Entwürfe für ein mögliches "Wacky Races" -Projekt, und 1968 waren diese Pläne fast abgeschlossen. Die Hauptfiguren blieben unverändert gegenüber dem Film - der Bösewicht Dick Dastardly und sein Kumpel Muttley waren Kopien von Fate und Meen, wobei Dastardly den gleichen langen blauen Staubmantel mit Zylinder und Schutzbrille, einen Lenker-Schnurrbart und einen fast identischen Fahrer trug Das schwarze "Raketennase" -Auto heißt jetzt "The Mean Machine 00" (The Double Zero) - mit ähnlichen Geräten. Muttley trug auch den gleichen Hut und die gleiche Brille wie Peter Falk im Original. Demmardly behielt viele von Lemmons Parolen als Prof. Fate bei, wie "Drat, Drat und Double Drat!", "Flüche wieder vereitelt!" Und sein üblicher Verzweiflungsschrei: "Muttley, tu was!" Curtis Rolle in "The Turbo Terrific". Penelope Pitstop ersetzte Natalie Wood in "Compact Pussycat" - einem rosafarbenen Auto, das sehr an das weiße "Leslie Special" erinnert - zusammen mit The Slag Brothers in "The Bouldermobile", "Rufus Ruffcut und Sawtooth" in "The Buzzwagon" und Sergeant Blast and Private In "The Army Surplus Special", um ähnliche Charaktere aus dem Film zu ersetzen. Daws Butler und Don Messick wurden für die Männerstimmen eingesetzt, mit Paul Winchell als Dastardly und Janet Waldo als Penelope Pitstop.

Die Show wurde im September 1968 im CBS Network zu einer kleinen Fanfare ausgestrahlt und lief für eine Staffel von 17 Shows. Penelope Pitstop und The Ant Hill Mob wurden 1969 in ihre eigene Zeichentrickserie mit dem Titel The Perils of Penelope Pitstop überführt. Im selben Jahr bekamen Dastardly und Muttley ihre eigene Show mit dem Namen Dastardly und Muttley in ihren Flying Machines (manchmal fälschlicherweise als " Stop The Pigeon 'nachdem der Arbeitstitel der Serie nach Abschluss der Themenmusik geändert wurde). Beide Shows liefen zwei Staffeln. 1976 erschien dann The Mumbly Cartoon Show, die identisch mit Muttley von Wacky Races (und immer noch von Don Messick geäußert) basiert, dieses Mal jedoch als Detektiv gesehen wurde und einen langen Trenchcoat trug. Im folgenden Jahr erschien Dread Baron auf dem Laff-A-Lympics-Cartoon, der immer noch von Paul Winchell geäußert wurde und mit Ausnahme von ein paar kosmetischen Änderungen fast identisch mit Dick Dastardly aussah. Dread Baron und Mumbly traten in den folgenden Jahren weiterhin auf, bis Dastardly und Muttley 1985 in der Serie Yogi's Treasure Hunt kurz zurückkehrten, um dann für die nächste Saison seltsamerweise wieder von Dread Baron und Mumbly ersetzt zu werden. Die Slag Brothers von Wacky Races wurden ebenfalls 1977 aktualisiert und in Captain Caveman für die Captain Caveman und die Teen Angels-Serie umgewandelt.

Es ist erwähnenswert, dass Peter Falk, der als ursprüngliche Inspiration für Muttley / Mumbly auftrat, diese Charaktere für seine eigene Kreation verwendete: Frank Columbo in der Serie "Columbo" (1968-2003). In Columbo trug Falk einen ähnlichen Trenchcoat wie Mumbly, ging mit demselben Stollen, fuhr kaputte alte Autos und hatte im Allgemeinen den gleichen trockenen, satirischen Stil und die gleichen Sprachmuster wie Mumbly. Er murmelte oft Worte und sprach mit sich selbst . Außerdem waren Mumbly und Columbo beide Polizeileutnant Detectives und beide lachten lauthals - in Columbos Fall wegen des Rauchens von Zigarren.

3

Scooby Doo

Produziert: 13. September 1969 - Gegenwart.
Inspiration: Die Archies-Fernsehserie (1968-69)

Im Jahr 1967 protestierten Elternorganisationen wie Action for Children's Television (ACT) gegen den zunehmenden Trend der Gewalt in den am Samstagmorgen stattfindenden Karikaturen. Sie nannten insbesondere Hanna-Barbera-Cartoons wie Jonny Quest, Space Ghost und The Herculoids als Hauptstraftäter und übten Druck auf die Studios aus, um sie zu ersetzen. Infolgedessen begann Hanna-Barbera 1969, die meisten ihrer Shows wurden abgesagt, und Mitglieder einiger dieser Interessengruppen wurden installiert, um die gesamte nachfolgende Produktion zu überwachen. Fred Silvermann, der Verantwortliche für Kinderprogramme bei CBS, sah die Notwendigkeit, die Karikaturen am Samstagmorgen wiederzubeleben, und beauftragte die Archie Show, die auf Bob Montanas Teenager-Comic "Archie" basiert, und war in erster Linie eine Sitcom über eine Popband und deren Versuche, auf ähnliche Weise wie The Monkeys 'TV-Show Anerkennung zu bekommen - die Produktion wurde erst im vergangenen Jahr eingestellt. Die Show war ein Erfolg und brachte viele Hit-Singles hervor wie „Sugar, Sugar“, der erfolgreichste Billboard-Nummer-Eins-Hit von 1969.Die Archies liefen vom 14. September 1968 bis zum 30. August 1969 und führten direkt zu: Sabrina, der Teenagerhexe (1971-1974) und The Groovie Goolies (1971-1972). Die Serie wurde von Filmation ins Leben gerufen, einem Unternehmen, das bereits mit den Superman-Cartoons von 1966 Erfolg hatte und in den 1980er Jahren erfolgreicher werden sollte.

Nach der Archie-Show wandte sich Fred Silverman an William Hanna und Joseph Barbera mit der Idee, eine "Mystery-Show" mit fünf verrückten Kindern in einer Rockgruppe für Teenager zu veranstalten und ihre Bemühungen, Mysterien und Folterdelikte zu lösen. Die Arbeit an der Gestaltung der Show wurde den Erzählern Joe Ruby und Ken Spears und dem Künstler Iwao Takamoto übertragen, dessen ursprüngliche Entwürfe von Silverman abgelehnt wurden, der die Verschwörung als "zu gruselig" empfand und einen Rückschlag aus den verschiedenen Aktionsgruppen der Zeit. Um das Konzept weniger beängstigend zu machen, kam Joe Barbera auf die Idee, einen Hund als Hauptfigur und als Folie für die Show aufzunehmen - genauso wie Muttley in Wacky Races verwendet wurde. Das zweite Konzept sah die Umbenennung des Arbeitstitels in "Mysteries Five" vor. Geow, Mike, Kelly, Linda, Lindas Bruder "WW" und ihr Hund, ein Dogge namens "Too Much" - waren alle Mitglieder eines Rockband namens Mysteries Five. Das Projekt wurde jedoch von Silverman abgelehnt, der noch mehr Kontrolle über den dritten Entwurf des Konzepts beeinflusste. Jetzt mit dem Namen Who's S-S-Scared und ohne viel Rock-Element, wurden Geoff und Mike zu einer Figur namens Ronnie verschmolzen, die später auf Wunsch von Silverman, der den dämlichen Freund in der Show porträtierte, in Fred Jones umbenannt wurde. Kelly wurde in Daphne Blake, die attraktive Freundin von Fred, umbenannt. Linda hieß jetzt Velma Dinkley, das Gehirn des Outfits, das die Hinweise zusammenstellen würde. „W.W“ wurde in Norville in „Shaggy“ Rogers umbenannt und war nicht mehr Velmas Bruder, sondern nun eher ein Hippie-ähnlicher Charakter, um den frei denkenden Gefühlen der späten 1960er Jahre gerecht zu werden.

1969 war das Konzept der Show auf die Revision Nr. 4 übergegangen, und nun waren die Entwürfe fast abgeschlossen, und es wurde Zeit, die Persönlichkeiten und Attribute der Charaktere umzusetzen. Eine Inspiration dafür war eine frühere CBS-Show namens The Many Loves of Dobie Gillis (1959-1963), in der Fred auf Dobie, Velma auf Zelda, Daphne auf Thalia und Shaggy auf Maynard sowie verschiedenen Elementen von Enid basiert Blytons berühmte fünf Bücher. Shaggy und Too Much wurden als feige Typen entwickelt, mit der gleichen Fähigkeit, "zu jeder Zeit etwas zu essen", das Muttley bei Wacky Races teilt. Don Messick wurde gebeten, Too Much mit dem legendären Radio-DJ und Entertainer Casey Kasem als Stimme von Shaggy und Nicole Jaffe, die die Stimme von Velma Dinkley gab, zu sprechen. Nachdem Fred Silverman Frank Sinatras "Strangers In The Night" (1966) im Studio-Radio gehört hatte, verliebte er sich am Ende des Songs in den "do-do-do-do-doo-be-doo" -Scat änderte den Hundenamen in "Scooby-Doo" und den Titel der Show in Scooby-Doo, Where Are You! Das Endprodukt wurde zuerst am 13. September 1969 ausgestrahlt und dauerte zwei Staffeln auf CBS, bevor es für neun weitere Staffeln auf ABC die Kanäle wechselte. In den 1980er Jahren wurden Spin-Off-Shows gezeigt und in den 2000er Jahren ein Wiederbelebungsversuch.

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He-Man

Produziert: 5. September 1983 - 15. Dezember 1984.
Inspiration: Conan und Barbar (Rolle) (1932-heute)

Conan the Barbarian war eine beliebte Fantasy-Serie, die zuerst von Robert E. Howard im Jahr 1932 geschrieben und in der Zeitschrift Weird Tales veröffentlicht wurde. Conan war berühmt für seinen großen Körperbau und seine bemerkenswerten Muskeln und erinnerte an den Superhelden "Superman", der im selben Jahr zum ersten Mal in DC-Comics erschien. In den späten 70er Jahren hatte Mattel (der kürzlich ein Angebot von George Lucas abgelehnt hatte, Actionfiguren für die Star Wars-Serie zu produzieren) eine neue Linie von Charakteren gesucht, um sie vor dem finanziellen Ruin zu retten. Die Aufgabe fiel auf Roger Sweet, einen leitenden Designer, der in der vorläufigen Designabteilung von Mattel arbeitete, der einen Torso einer der Big Jim-Figuren von Mattel in eine "Action" -Pose klebte und viel Lehm hinzufügte. Er ließ dann Gipsabdrücke herstellen und fertigte drei Prototypen an, die Anfang 1980 zur Genehmigung bereit waren. In Interviews sagte Sweet später: "Dies war eine mächtige Figur, die man überall mitnehmen konnte, weil er einen generischen Namen hatte: He-Man!" Die Prototyp-Modelle, in denen He-Man als Soldat, Raumfahrer und Barbar dargestellt ist, und aus den drei Konzepten wurde die Barbarenversion ausgewählt. Die Prototypfigur der ersten Stufe unterschied sich erheblich vom Endergebnis. Sie hatte He-Man mit schwarzen Haaren, eine tief gebräunte Haut und einen Helm. Etwa zur gleichen Zeit im Jahr 1980 begann CPI (der Inhaber der Lizenz für Conan the Barbarian war) Gespräche, um Mattel die Herstellung offiziell lizenzierter Conan The Barbarian-Figuren zu ermöglichen. Die Gespräche würden viele Monate andauern und Conan in der Schwebe lassen, während He-Man sich weiterentwickelte.

Im Jahr 1981 verfeinerte Tom Kalinske, ein Manager und Designer von Mattel, die Idee so, dass He-Man jetzt einen helmlosen Kopf mit blonden Haaren trug (der als freundlicher als schwarz angesehen wurde) und eine viel hellere Haut hatte. Mattel stellte dann Comicautoren und Künstler wie Donald F. Glut und Earl Norem ein, um die zusätzlichen Charaktere und die Hintergrundgeschichte zu kreieren, die sie zum Ausarbeiten der Serie brauchten, und um Poster, Packungsinlays, Box Art und Mini-Comics zu produzieren zur Verteilung mit den Aktionsfiguren. Im Juli 1981 gewährte CPI Mattel die Rechte zur Vervielfältigung von Plastikfiguren von Conan The Barbarian, aber nur sechs Monate später, im Januar 1982, beantragte Mattel die Beendigung der Lizenzvereinbarung.He-Man erschien im Februar 1982 mit großem Erfolg und ließ die Serie „Masters of the Universe“ zu einer allgemein anerkannten Marke werden. Im Mai 1982 wurde Conan der Barbar (zusammen mit Arnold Schwarzenegger) in die Kinos entlassen. Zu diesem Zeitpunkt versuchte CPI, Mattel wegen He-Mans 'unheimlicher Ähnlichkeit' gegen Conan zu verklagen, eine Angelegenheit, die nicht von braunhaarigen Prototypversionen von He-Man ( eine starke Ähnlichkeit mit dem Conan-Charakter haben), der aus Versehen freigesetzt wurde. CPI verlor schließlich den Fall und Mattel behielt die Rechte an He-man.

Zu diesem Zeitpunkt wurden die Filmation Studios mit der Produktion der Fernsehserien He-Man und Masters of the Universe beauftragt und erhielten die Grundlage für eine Geschichte, von der aus sie arbeiten konnten. Mittlerweile war He-Man als "Barbar aus einem ewigen Stamm" bekannt, der Castle Grayskull vor dem bösen Lord Skeletor schützen musste, der eine Hälfte eines Magic Power-Schwerts trug und He-Man die andere Hälfte besaß. Wenn diese Schwerter zusammen platziert wurden, bildeten sie eine 'Super'-Waffe und derjenige, der beide Waffen kontrollierte, würde der Meister des Universums sein. Die Filmation-Designer fügten der Geschichte einige weitere Konzepte hinzu. He-Man war jetzt 'Prinz Adam' (Sohn von König Randor und Königin Marlena) und sein Haustier war ein feiger grüner Tiger namens Cringer, der sich durch Zauberei in ein gepanzertes Pferd namens Battle Cat verwandelte. Teela wurde hinzugefügt und war die Tochter der Zauberin von Castle Grayskull und Man-At-Arms (Duncan) wurde für eine bessere Balance von guten und schlechten Charakteren eingesetzt. Sowohl Mattel als auch Filmation nahmen das Endprodukt gesondert entgegen und wiesen die Idee an das ABC-Netzwerk, der es ablehnte, und stimmte der Vermarktung des Produkts nur zu, wenn die Hersteller bereit waren, die Serie gegen Werbeeinnahmen während der Syndizierung (bekannt als barter Syndication), so dass die erste Show am 5. September 1983 ausgestrahlt werden konnte. 1984 wurde He-Man in 120 amerikanischen Fernsehsendern und in mehr als 30 Ländern der Welt gezeigt. Der Ursprung der Franchise ist immer noch ein Geheimnis, auch wenn man bedenkt, dass der Conan-Charakter vor 50 Jahren geschaffen wurde, eine visuelle Nachbildung von He-Man ist und dass Mattel immer daran gearbeitet hat, die Conan-Franchise zu sichern, ist schwer vorstellbar, wie Conan es ist hätte nicht die erste Idee für He-Man sein können. Die Filmation gründete She-Ra: Prinzessin der Macht (1985-1987), The Original Ghostbusters (1986-1988) und Bravestarr (1987-1988), bevor das Studio 1988 geschlossen wurde.

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Die Simpsons

Produziert: 17. Dezember 1989 - heute.
Inspirationen: Homer Simpson (Charakter) im Buch "Der Tag der Heuschrecke" (1939)
und Ken Osmond (Schauspieler) als Eddie Haskell in der Fernsehserie "Leave it to Beaver" (1957-1963)

Life in Hell begann 1977 als selbstveröffentlichtes Comicbuch, das von Matt Groening geschrieben und produziert wurde. Es war eine Geschichte über das Leben in Los Angeles und die Dinge, denen Gröning in der Schule, bei seiner Arbeit in einer Reihe von zwielichtigen Jobs und in seinem persönlichen Leben begegnete Liebesbeziehungen. Die Serie erregte die Aufmerksamkeit von James L. Brooks, der Groening beauftragte, "Stoßfänger" (kurze Überbrückungsfunktionen) als Sketche für die Tracey Ullman Show zu entwerfen. Während er in Brooks 'Büroempfang auf das Interview wartete, skizzierte Groening eine Reihe von Grundentwürfen, die die Grundlage für Die Simpsons bilden sollten. Er ging ins Büro, präsentierte seine 10 Minuten alten Zeichnungen und erhielt den Auftrag.

Er benannte die Charaktere nach Mitgliedern seiner eigenen Familie, seinem Vater Homer, Mutter Marge und Schwester Lisa, und ersetzte Bart für sich. Die Inspiration hinter Homers Manierismen hatte viel weniger mit seinem Vater zu tun (der nach allen Berichten ein ziemlich intelligenter Mann war), und basierte stattdessen (laut Matt Groening selbst) auf dem Roman Nathanael West von 1939, „The Day of the Locust“ (Der Tag der Heuschrecke) ein hoffnungslos unbeholfener und unzufriedener "Jedermann" namens Homer Simpson. Homers zweiter Vorname 'J' ist einfach der Buchstabe J und ist eine Hommage an das 'J' in Bullwinkle J. Moose und Rocket J. Squirrel von The Rocky & Bullwinkle Show und dessen Schöpfer Jay Ward. Bart Simpson wurde als Anagramm von „Göre“ bezeichnet, und der ältere Bruder von Groening, Mark, war ein großer Teil der frühen Inspiration für Barts Haltung. Der Charakter sollte dem typischen, unpassenden Kindereignis folgen, in dem einige Merkmale von Tom Sawyer und Huckleberry Finn zugefügt wurden. In Interviews sagt Matt auch, dass eine der ersten Ideen für Bart kam, als er dachte: „Was würde passieren, wenn Eddie Haskell [aus Überlassen Sie es Beaver. Haben Sie eine eigene Show?

Die gesamte Simpson-Familie wurde so konzipiert, dass sie sehr schnell gezeichnet werden konnte, wodurch das oft knappe Budget weiter erreicht werden konnte und die Silhouette so erkennbar war, dass die Merkmale leicht erkennbar waren. Als er Homers Haare entwarf, skizzierte er zunächst nur seine Initialen, 'M' für den Haaransatz und 'G' für Homers Ohr - und erwartete, dass das Produktionsteam die Haare für das fertige Kunstwerk aufräumt. Sie haben das nicht getan und sind einfach über Groenings Umrisse nachgegangen, so dass die Matt Groening-Initialen bis heute auf der letzten Figur stehen. Marges Haar basierte auf der ikonischen Frisur von Elsa Lanchester, wie sie in Die Braut von Frankenstein (1935) getragen wurde, und auf einem ähnlichen Stil, den Margaret Groening in den 1960er Jahren getragen hatte. Lisas Haar war anfangs eine Ansammlung von handgezeichneten Haarlinien, die jedoch vor der Pilotfolge in das einfachere "Sechseckhaar" -Design geändert wurde. Die endgültigen Charaktereigenschaften resultierten aus den Stimmen und Ideen der Synchronstimme, insbesondere Nancy Cartwright als Stimme von Bart und Dan Castellaneta als Stimme von Homer.

Am 19. April 1987 erschien in der Tracey Ullman-Show der erste Kurzfilm von Simpsons, gefolgt von drei weiteren Staffeln, und am 17. Dezember 1989 erschien die erste vollständige halbstündige Folge von Episoden.Bis jetzt ist die Show nach 508 Folgen immer noch in der Luft und gilt als die am längsten laufende (und zweifellos die beliebteste) Animationsserie aller Zeiten. In einer letzten Wendung reichte Tracey Ullman 1992 Klage gegen Fox ein und behauptete, dass ihre Show die Quelle des massiven Erfolgs der Serie sei. Die Forderung nach einem Teil des Showgewinns wurde von den Gerichten abgewiesen und verworfen.